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ジャズ、フュージョンのソロのとり方の勉強をしています。
まだどういった練習すればいいかなどもわからないのですが
雑誌か何かで

・II-Vのフレーズを練習

・VI7のフレーズを練習

I・Im7-V7-IM7-VI7→Im7を自由に歌えるようにする

・フレーズはトニック・サブドミナント・ドミナントに大別されているのでその弾き分けを練習する。

・Cメジャースケールからファを抜いて歌う練習


これらは具体的にどういう練習なのでしょうか?

弾きたいソロはこの動画のようなものです。  



http://www.youtube.com/watch?v=WEubiUaDq0o&featu …

こういったソロは速く弾いてるがゆえによくあるスタンダードジャズと全く別物に聴こえるだけで、アプローチの仕方は似ているのでしょうか。

よろしくお願いします。

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A 回答 (5件)

音楽、特にアドリブについては


「感情のままに思った音を弾きまくる」のが究極の理想でしょう。
決してデタラメを弾くということではなく弾きまくった音が誰が聴いても「かっこいい」「すばらしい」と思ってもらえないと独りよがりなプレイになってしまいます。

そのため音楽的にいい感じになる方法論を身につけておくのは有効かつ必要なことだと思います。

キー1発で弾く、ペンタトニックで弾く、コードを細分化して弾く・・・
アプローチの方法は沢山あります、全てを習得するのは困難だと思うのでまず自分が好きなアーティストの研究から始めるといいです。

アドリブの練習であればマイナスワンと呼ばれるリズムとコードのみのカラオケ音源のようなものを使用するととても実戦的かつ効率的に練習できます。

最近の教本はCD付きやマイナスワン付きも多いので積極的に利用してみてはいかがでしょうか?
私は
http://www.occn.zaq.ne.jp/cuacp608/JazzmidiDataS …
からジャズの好きな曲をダウンロードしています、テンポが変更できるので自分のレベルに合わせて練習でき、最終的にかなりテンポを上げて弾けるようになりました。

たくさんの情報を一度に処理しようとするとわけがわからなくなるので自分で好きなスタイルを選んで実戦的な練習を繰り返しやりながらひとつひとつマスターしていくのがよいのでないでしょうか?
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うーん、ぜんぜん違うものですがスタンダードやジャズやバップは一応基本なんで、練習の順序として例に挙げられてるようなコード分解的なバップアプローチを習得してからモードやアウトの仕方を学ぶのがいいでしょうね。


「俺はフュージョン一筋!バップなんぞ古臭いもんはやらん!」と豪語しても土台としてバップができないとトンチンカンなプレイになりがちです。

例えばフレーズの歌い方にしても、音符の高い音をこことここに持ってくればカッコイイフレーズに聞こえるとか、テンションの効果的な使い方とか、フレーズの譜割によるノリの出し方とか、強く弾く音・弱く弾く音、こういう具合にフレーズを並べるとスリリングになる、ソロ全体の構成のしかたとか、バップには現代の音楽にも通じるフレージングの“コツ”がとても分かりやすい形で網羅されているのです。

またアウトの仕方もいちおういくつかの常套的な手法があります。適当にずれてるわけではないのです。(適当な場合もありますが)
半音上のペンタを弾いて同じフレーズでインサイドに戻るとか、目的の音を決めて同じフレーズを半音で下がりながらその目的に音に解決するとか、まあいろいろあるわけです。

こういうことは理論じゃなくていわばアプローチのコツなので理論書には説明としてはあんまり載ってないのですよね。
だからコピーとアナリーゼを繰り返して学び取っていくわけですが、完コピは必要ありません。カッコイイと思う部分だけでもいいです。あまり理想を高くして無理な課題を課すと飽きてしまってやめてしまうということが多いですから、自分で無理なくできる範囲でやるのがいいですね。大事なのはやめないで続けることです。
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#1です。



>調号のついたスケール外の音はなぜこのような響きになるか、モードなのか、またはクロマチックなのか、スケールをずらしたアウトスケールなのか

それも分析者の違いでいろいろと解釈は変わるものです。
昔あるジャズの大家が、クラシックの若手作曲家に
「このようなノートの使い方はどういう理論で導かれるのか?」
と訊かれた時に
「このような音遣いをするとグッドなサウンドになるからだ」
と答えたという話があります。
要はそれに集約されるんだと思います。

>プレイヤーも何も考えずに感情や、情熱だけで弾いているとは思えないので

まあこれはひとそれぞれなのですが、私の場合、理論に情熱をプラスするのではなくて、最初に「表現したいっ!」という情熱(強い思い)があって、それの実現に、ちょいとばかり理論を拝借する、という感じで捉えています。

特にワンコードの場合、アプローチは無限にあると言って良く、アウトしようがクロマチックで走り回ろうが、演奏者も聴衆もナイスに聞こえればそれでいいんじゃないかと思います。

ジャズという音楽は本来、クラシックなどの既成概念から奏者が自由に演奏するために生まれたと言われていますが、理論に囚われるあまり、本来の自由な表現を損ねてしまっては意味がありません。

もちろん、英会話に最低限の文法と単語知識が必要なように、演奏にも最低限の理論は必要だと思いますが、それにこだわる必要はないと思います。ブロークンイングリッシュでも達者に会話する方はたくさんいます。
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ギタープレイヤーですか?


だとするなら、まずはペンタトニックを適当に弾いとけばまずはいいでしょう。
別に、フュージョンだからといって、スタンダードジャズとアプローチが変わるというわけではないのですが。

あとは、そうですね、これは私個人の趣味という部分もありますが、ファンク・フュージョン系に特徴的なのは、システマチックなフレーズというやつだと思います。コードとかスケールとかを元にソロを取るのではなくて、ある簡単なフレーズをなんらかの規則にしたがって機械的に変形させてく弾き方です。
最も単純には、フレットをずらしながら同じフレーズを何回も弾く(平行移動させる)とか。フュージョンのキメなんかにもよくでてきます。

最初のリンクのやつにもちょっとだけ、そんな感じのフレーズがでていますね。こういうフレーズを勉強するのは、ギタリストよりは、むしろ鍵盤(とくにエレピ)のソロをコピーするといいと思います。チックコリアなんかはこういうソロがものすごく上手いです。
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・ギターはプレイヤーの表現道具です。

プレイヤーの表現したいように弾けることが先ず第一です。これがなければどんな速弾きもただのスポーツでしかありません。

・理論編に関しては、お示しのメニューをこなしていけば良いと思いますが、もう一歩進めるならば、耳コピーからアナリーゼまでをしっかりやるのも大事です。五線譜にソロを書き取って、コード進行やスケール、モードを分析していく作業は、ジャズ・フュージョンギタリストには必須科目です。

・リンク先のプレイはいずれもそれほど凝った構成を取っていません。
特に後者の方はペンタ一発と言って良いほどシンプルな構造なのでぜひ耳コピしてアナリーゼしましょう。

・これらのソロは、オーソドックスなモダンジャズのアプローチとはかなり違います。かなりブルーズ、ロックよりのソロですね。ジョー・パス、タル・ファーロウ、ジム・ホールなどを聴いてどこがどう違うのか研究してみて下さい。あとジョン・スコフィールドや、エリック・ジョンソン、パット・メセニーなども個性的なアプローチを多用しますので(オーソドックスなスタイルではありませんが)良いお手本になるかと思います。

ただ、最初のうちはモードやアプローチを気にせず、ワンコードや3コードブルーズでの簡単なアドリブから練習すると良いと思います。それからツーファイブをやっても遅くはありません。

最初に言いましたように、ギターは表現です。画家が絵を描く、作家が小説を書くのと同じことです。ギタリストはギターを使って表現するのですから、自由な発想や表現したいという情熱、熱意を大切にして、理論やメカニカルトレーニングを利用するくらいの気持ちで取り組めばよいと思います。
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この回答へのお礼

ご回答ありがとうございます。
耳コピやプレイのコピー、アナリーゼもやってはいるのですが、

ワンコードでのプロのプレイを聴いてみて感じたのは、
調合のついたスケール外の音はなぜこのような響きになるか、モードなのか、またはクロマチックなのか、スケールをずらしたアウトスケールなのか、など何を考えてそう弾いているの理解できず先に進めずじまいです。なので自分で使うということができずという状態です。
もちろんプレイヤーも何も考えずに感情や、情熱だけで弾いているとは思えないので(本当の天才はどうなのかはわからないですが)
理論に則ってどうしてこうなるのかという根拠を知ってから
そこに情熱などをプラスしていけば良いと自分では考えているのですが、そう簡単なものでもないのでしょうか。

お礼日時:2009/05/24 02:35

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Qチャーチモードの使い方がわかりません。

例えばCMスケールの2度をルートにするとD?ドリアンスケールと呼ばれます。でも、ルートを変えたところでスケールを鳴らす音はDEFGABCDと
通常、1度にして考えてるCMと同じでどのような効果があるのでしょうか。
また、6度をルートにするエオリアンスケールは平行調のAmと同じとして考えてよいのでしょうか?

Aベストアンサー

例えば、KeyCメジャーで、コードがDmのときに「Dドリアン」を弾いても何の効果もありません。
同様に、KeyCメジャーで、コードがFのときに「Fリディアン」を弾いても面白くありません。スケールの呼び名は違いますが、使う音はCメジャースケールそのままなので、まったく普通のサウンドです。
アドリブの本には、KeyCメジャーで、転調もしていないのに、「ここはDドリアンスケールを使っている…」などと説明していますが、実際に出ている音は、「Cメジャースケール」と同じなので、わざわざ「Dドリアン」と解釈する必要はなく、「Cメジャースケール」でよいのです。(「Dドリアン」と解釈することが間違いといっているのではありません。)「Fリディアン」も同じです。KeyCメジャーなのに、「ここはFリディアンを使っている」、という分析はあまり意味がありません。
「Dドリアン」が効果を出すのは、KeyがCメジャー以外のときです。
例えば、KeyDメジャーのときに「Dドリアン」を使えばインパクトがあることは想像できると思います。
あるいは、KeyCメジャーでFコードのときに、「Fリディアン」ではなく、「Fイオニアン」を使うのです。

「Aエオリアン」は、Amのナチュラルマイナースケールと構成音は同じです。同じなので、KeyAマイナーやKeyCメジャーのときのAmコードで「Aエオリアン」を使っても面白くもなんともありません。しっくり溶け込んで普通です。面白くするには、ここでこそ「Aドリアン」を使うのです。
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理論書などでは、KeyCメジャーのダイアトニックスケールを示して各チャーチモードを説明していますが、それは、モードスケールの配列を説明しやすいからという理由であり、「KeyCメジャーのときには、それらを使え!」といっている訳ではありません。KeyCメジャーのときにそれら(の呼称)を使っても何の効果も意味もありません。(それらは結局Cメジャースケールそのものなので、当然です。)
他の人の回答も合わせて読んでいただければ、お判りいただけると思います。

以上、コードの概念によらない「チャーチモードによるアドリブの方法」という意味のご質問ではないと解釈して回答しました。

例えば、KeyCメジャーで、コードがDmのときに「Dドリアン」を弾いても何の効果もありません。
同様に、KeyCメジャーで、コードがFのときに「Fリディアン」を弾いても面白くありません。スケールの呼び名は違いますが、使う音はCメジャースケールそのままなので、まったく普通のサウンドです。
アドリブの本には、KeyCメジャーで、転調もしていないのに、「ここはDドリアンスケールを使っている…」などと説明していますが、実際に出ている音は、「Cメジャースケール」と同じなので、わざわざ「Dドリアン」と解釈...続きを読む

Q「Sunny」のコード進行について

「Sunny」のコード進行について

ポップスやジャズのスタンダードで、「Sunny」という曲があります。
先日ジャムセッションで、ボーカルの人のリクエストでこの曲をやったのですが、ボーカル氏の持ってきた譜面のコードが、自分で移調したということでしたがこれがデタラメで(解釈の違いというレベルではなく、明らかに間違っている)、しょうがないのでキーだけを確認して適当にやりました。

基本はポップスによくあるようなシンプルな進行です。
ジャズセッションで多少のリハモナイズをするにしても、トニックマイナーからII-Vを入れて平行メジャーのサブドミに行く、ドミナントをII-Vにする程度です。
(まあもっと複雑にしようと思えはできなくもないですが)

ただ、9~10小節目の部分の認識がみんなバラバラで、最初の8小節で使う2小節分(つまり、キーがAmとすると、Am7→Gm7/C7)をそのままそこに当てはめる人(ピアノの人はそう弾いていました)、クリシェでいく人(Am→AmM7→Am7→Am6)、とくにベースの人はこの部分を半音下降で弾いていたので、僕はベースに合わせてクリシェで弾こうとしていました。

まあパッと聴きには両者が混ざっていても一応それなりに聞こえるので、演奏としてはなんとかなったのですが、後から「なんか変だったね」という話になりコードの確認をしたところ、そういう認識の違いがありました。

この曲は、たいていの場合この部分はどちらのコード進行で演奏することが多いでしょうか?

もちろんこういうことは、その場でコードや展開を確認するものでしょうし、これが絶対という決まりも無いとは思うのですが、それはよく承知の上での質問です。
「このアルバムではこう弾いている」ということよりも、現在ジャムセッションの場でよく演奏されている進行はどちらが多いのかという事が知りたいです。よろしくお願いします。 

「Sunny」のコード進行について

ポップスやジャズのスタンダードで、「Sunny」という曲があります。
先日ジャムセッションで、ボーカルの人のリクエストでこの曲をやったのですが、ボーカル氏の持ってきた譜面のコードが、自分で移調したということでしたがこれがデタラメで(解釈の違いというレベルではなく、明らかに間違っている)、しょうがないのでキーだけを確認して適当にやりました。

基本はポップスによくあるようなシンプルな進行です。
ジャズセッションで多少のリハモナイズをするにしても、トニッ...続きを読む

Aベストアンサー

「Sunny」懐かしいですね。
今でもやるんですね!

原曲はクリシェだったと思います。ここも最初と同じコードだと変化がないので、クリシェの方がメリハリが出ると思います。

sunny chords

で検索するといろいろ出てきますが、クリシェの方が多数派のようです。

Qジャズギターをやりたいが…

ジャズギターをやってみたいと、なんとなく思っている者です。
ジャズギターを知っている方にいくつか教えていただきたいと思います。

ジャズというと、ピアノ、ベース、ドラム、サックスというイメージがあります。ジャズギターは、ウェスモンゴメリー、ジョーパスくらいしか知らないのですが、ジャズの世界では、ギターはあまり重視されていないのでしょうか??

ジャズギターは、指で弾くものですか?ピックですか?どちらがメインなのでしょうか?

ロックギターを弾けても、ジャズギターは弾けませんか?

どなたか教えてください。よろしくお願いします。

Aベストアンサー

>ギターはあまり重視されていないのでしょうか??

管楽器ほど音圧がない、ピアノのように自由なコードワークができない、和音を弾きながらメロディを弾くことが困難等、他の楽器と比べるとビハインドがありますので、ロックのように花形とはいきませんね。ピアノが居る場合、ほとんどバッキングも入れられないので非常にポジション的に難しいです。
ビジュアル面でもピアノの方が華々しいので、いわゆる「営業」のオシシゴトもなかなか回ってこないため、プロで喰って行くことを考えても大変です(笑


>ジャズギターは、指で弾くものですか?ピックですか?どちらがメインなのでしょうか?

ケースバイケースです。ピックしか使わない人はほとんどいません。

>ロックギターを弾けても、ジャズギターは弾けませんか?

弾けませんね。最近のメタル系のギタリストのテクニックの高さは目を見張る物がありますが、仮にそういう系統のトッププロの演奏を所謂「完コピ」できるロックギターの上級者が、ジャズの入門用に採り上げられるような曲を演奏できるのか、といったら不可能です。
一般的なジャズ演奏においてはテーマと呼ばれる主題以外は全てアドリブであることが前提です。
多くのロックやポップスのように「キーが分かればそのキーのトニックメジャー、マイナー、ペンタトニックスケール一発で一曲まるまる弾ききる」アプローチは使えません。(1さんも仰ってるように、題材に選ばれる曲の大部分は頻繁な転調が施されているうえ、コード感を出すことが必要です)
他にも違いは膨大にありますが、このように語法的な部分のアプローチも全く違う上、奏法そのものも全く違うし、ロックと比較すると覚えなければならないことが膨大にあるため、ロックとの両立もなかなか困難です。まずどちらかに絞らないと上達しないでしょう。

奏法の違いや必要な奏法を大雑把に書くと
・ピッキングする際は手をブリッジから浮かす場合がほとんど。多くの場合、ロックのように強くはピッキングしない。
・指で弾くケースも増える。ボサノバも守備範囲だし、上のメロディを弾きながら下声部でコードをカウンターライン的に入れる等に必要。後述のハーモナイズドベースラインの時、ベースラインを弾きながら合間に和音を挟む際等にも使う
・コードネームだけを見て初見でアドリブができる。テンションもその都度任意で変える。コード進行も随時ハーモナイズされる。Gm7|C7|F| | F~ としか書いてなくても
Gm7 |Gb7 |Am7 D7 |Gm7 C7|F、のようにリハーモナイズしたりする能力が必要

バッキングを入れるタイミング等も他のメンバーの様子を見ながら随時変わる
・ベースラインを弾く。場合によっては2~3声にハーモナイズしたベースラインを弾く。当然これまたすべて即興で行う
・コードソロ。単音のメロディではなく和音を用いてソロを執る
例を挙げればきりがありませんが、膨大に覚えることがあります。

質問者さんの現段階でのご様子だと特にジャズに惚れた故に始めよう、というわけではなく漠然とやってみたい、ってところですね。
だったらもう少しいろいろ聞き込んでみて、本腰を入れてやっていくほど惚れ込んでから始めるのもいいんじゃないでしょうか。
アドリブはできなくても構わない、数曲ソロギター等、ジャズギターの真似事ができればいいというのなら十分片手間でもできますし、この限りではありませんが。

>ギターはあまり重視されていないのでしょうか??

管楽器ほど音圧がない、ピアノのように自由なコードワークができない、和音を弾きながらメロディを弾くことが困難等、他の楽器と比べるとビハインドがありますので、ロックのように花形とはいきませんね。ピアノが居る場合、ほとんどバッキングも入れられないので非常にポジション的に難しいです。
ビジュアル面でもピアノの方が華々しいので、いわゆる「営業」のオシシゴトもなかなか回ってこないため、プロで喰って行くことを考えても大変です(笑


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Q年齢確認が甘い居酒屋チェーン店

20歳をとっくに超えているのですが同い年の友人と居酒屋に行ったりするとたまに年齢確認をされます。
まだ未成年だった時はなんにもなかったのに…。
最近は厳しいのでしょうか。
しかし私は証明する物を持っていません。
免許もなければフリーターなので社員書もなし。
パスポートもありません。
なので口頭で生年月日を言えば通してくれる居酒屋ってどこですか?
甘い店を教えて下さい!

Aベストアンサー

最近確認が厳しいですよね…
私も、よく聞かれるんですが同じく運転免許持ってないし、
パスポートや保険証持ち歩くのも怖いので病院の診察券持ち歩いてます。

生年月日書いてるので、居酒屋チェーンとかならこれでOKですよ♪

直接の回答でなくてごめんなさい。

Qジャズミュージシャンになるには?

ジャズミュージシャンになるには
どのような道があるんですか?

有名なフェスティバルに参加するとか、
ライブに参加するとか、
CDを出すとか・・・。

でもジャズだけで生活するには
凄い険しい道なんでしょうね。
まして若くしてジャズミュージシャンになれるなんて
不可能に近いのでしょうか?

Aベストアンサー

他の方もおっしゃられているように、セッションに参加することから始めましょう!
できなくて、恥ずかしい思いをすることばっかりですが、それはみんなが通る道です。みんな親切に教えてくれると思いますよ。だから、積極的にわからないことは教えてもらおうとする姿勢が大事です。
お店でのセッションに参加しているうちに、お店のマスターに「今度ライブやらない?」なんて声をかけてもらえることも、お店によっては日常茶飯事ですよ。
食べていけるかどうかは、かなり難しいと思います。ジャズミュージシャンが新しいアルバム出したりしても、J-POPとは違って多くは新曲ではなくてスタンダードをやっているということが多いですよね?だからオリコンになんてめったに載らないから普通の人の会話にはのぼらないマイナーさだし・・・
でもジャズをやっている人はそういうことを目標としてるんじゃなくて、自分の好きな音楽をやりたいからやっているんだと思います。好きなことを仕事にしてしまうのは、かなり勇気のいることだし、苦しくもあると思います。
そして若くても素敵なジャズミュージシャンはいっぱいいます!!!

ちなみに、管楽器よりもピアノやベースの方が、バーやクラブ、結婚式などでの営業のお仕事も多くお金は入るみたいですね。管楽器も、キャバレー?とかで演奏することもあるらしいですが。

まずはセッションやってみて下さい!

他の方もおっしゃられているように、セッションに参加することから始めましょう!
できなくて、恥ずかしい思いをすることばっかりですが、それはみんなが通る道です。みんな親切に教えてくれると思いますよ。だから、積極的にわからないことは教えてもらおうとする姿勢が大事です。
お店でのセッションに参加しているうちに、お店のマスターに「今度ライブやらない?」なんて声をかけてもらえることも、お店によっては日常茶飯事ですよ。
食べていけるかどうかは、かなり難しいと思います。ジャズミュージシャ...続きを読む

QアコギでJAZZは可能?

タイトルの通りなのですが、できますか?将来的にフルアコ(JAZZはこのギターが主流と聞いたので)でjazzyな音色を奏でたいと思っているのですが、今は1万で買ったアコースティックギターしかないし、ギターの腕前そのものも超初心者です。仮にできるとしたら、ジャズギター教則本みたいなものを買ってもアコースティックギターで対応できますでしょうか?説明が下手で申し訳ないのですがお願いしますm(__)m

Aベストアンサー

こんにちわ。
ギターが弾けないjazzマニアのaltosaxです!
わたしもギターに挑戦したい今日この頃です^^

ところでジャズのことだけならわかるので参加させてください♪

アコースティックギターのジャズは、つぎのような巨人たちが有名ですので、ぜひCDを買ったりレンタル等で聞いてみてお手本にしてみてください。

エレキギターが発明される前はみんなアコースティックでしたので、その当時のギタリストでは、
★エディ・ラング(Eddie Lang)白人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=Eddie+Lang&lr=
★ジョージ・ヴァン・エプス(George Van Eps )白人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=George+Van+Eps+&lr=
★フレディ・グリーン(Freddie Green)黒人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=Freddie+Green&lr=
★ジャンゴ・ラインハルト(Django Reinhardt)ベルギーのジプシー
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=Django+Reinhardt&lr=
http://banjo.boya.to/django/djangoreinhardt.html
・・・といったギタリストがかならずジャズの教科書には登場します!
とくに技術的な面では、二番目のフレディ・グリーンが一番初心者向けです!
(というのは、この人はリズムしか弾けないのにこの道の達人になってしまった希有な人で、「Mr.リズム」というあだ名がついたほどです^^)
エレキ発明以前の超絶技術では、ヨーロッパのジャンゴ・ラインハルトが人気一番で、今でもおしゃれなヨーロッパジャズスタイルとしてジャンゴ派というプレイヤーがたくさんいて人気者です。
実はびっくりされるかもしれませんが、ロックのビレリ・ラグレーンは15才の時にジャンゴスタイルの天才ジャズ少年としてデビューしました。

ジャズギターがエレキ時代になったのが1940年代ごろからなのですが、全員エレキになってしまったものの、アコースティックと持ち替えにして歴史的なジャズの名盤を作ったのが、
★ケニー・バレル(Kenny Burrell)黒人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=Kenny+Burrell&lr=
が録音した、「ケニー・バレルの全貌」です。
http://www.amazon.co.jp/exec/obidos/ASIN/B00008KKV3/qid=1139665680/sr=8-11/ref=sr_8_xs_ap_i11_xgl15/503-8614363-9158355
これは非常に有名で人気もあるのでどこのCDショップにも必ず置いてありますのでぜひ聞いてみて下さい!
▲本屋さんや楽器屋さんに売っているジャズギター教本集にもこの作品がとりあげられているものがありますので、きっと参考になると思います。


あとは、エレキ時代(モダンジャズ時代)にあえて古いスイングジャズの継承者としてアコースティックを使った人では、
★ジョージ・バーンズ(George Burnes)白人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=%E3%82%B8%E3%83%A7%E3%83%BC%E3%82%B8%E3%83%90%E3%83%BC%E3%83%B3%E3%82%BA&lr=
http://www.craftone.co.jp/solo_flight/guitarist/barnes,g/
が有名です。

お手持ちのギターで、こんなJAZZができる!というお手本をいろいろ探検してみて素敵な人生にしてみてくださいね!

こんにちわ。
ギターが弾けないjazzマニアのaltosaxです!
わたしもギターに挑戦したい今日この頃です^^

ところでジャズのことだけならわかるので参加させてください♪

アコースティックギターのジャズは、つぎのような巨人たちが有名ですので、ぜひCDを買ったりレンタル等で聞いてみてお手本にしてみてください。

エレキギターが発明される前はみんなアコースティックでしたので、その当時のギタリストでは、
★エディ・ラング(Eddie Lang)白人
http://www.google.co.jp/search?hl=ja&inlang=ja&q=E...続きを読む

Qジョーパスのギター教則本や教則DVDについて

今ジャズギターをはじめようと思いましてジョーパス
が好きなのでジョーパスをコピーしようと思ったのですがネットで調べてみるとたくさん教則本や教則DVDがあり、またそしてだいたいの商品が輸入品とかであるため楽器店においていないためにどれを買ってみたらいいのか悩んでいます。なにかおすすめの物があれば教えてください。あとやはりジャズギターなどを始めるにあったってタブ譜はやめた方がいいと言われましたのでタブ譜なしではじめようとおもいますがどうでしょうか。よろしくおねがいします。

Aベストアンサー

基本は、コピーですので、「自分がコピーした曲」が採録されている
譜面を探すのが第一だと思います。
タブ譜の是非の問題自体は、なかなか難しいところですが、
仮にコピーされたい曲が、CD「ヴァーチュオーゾ」とかの
ソロ・ギターで、かつ、クラシックギターなどの経験がなければ、
五線譜だとかなり厳しいと思います。
ただでさえ「職人芸」といわれているくらい、かなりなもんなので、
タブ譜であっても(それまでのギター経験にもよりますが)、
なかなか難しい、と思います。
ので、「自分がコピーしたい曲が採録されているタブ譜」で
いいんではなかろうか、と思います。

勿論、アドリブをバンバコこなして行こうと思ったら、
理論とかも触れることになるので、五線譜に通じていることは、
後々有利になりますが、かといって、五線譜を読めなければ、
上達しないかというと、そういうわけでもないので、
その辺りは、臨機応変でよいかと思います。

また、コピーしてみたい曲がバンド編成のもので、
コピーしたいのが、パスの単音ソロ・プレイなら、
「タブ譜or五線譜」よりも、「譜面or耳コピ」で考えるほうが
後々の上達につながると思います。

確かに、タブ譜の「弊害」はありますが、それは「禁忌」であるほど
ではないので、別に、タブ譜でもいいんじゃないかなぁ、
とりあえず、やりたい曲を1.2曲絞って、それが採録されている
譜面を探すのがいいんじゃないかなぁ、
もし、「タブ譜はみたくない。しかし、やりたい曲はタブ付きでしか
譜面が出ていない」ようだったら、タブの上に五線譜があるので、
タブ部分塗りつぶしちゃうこともできるし・・・。
という感じで。

蛇足ですが、タブに関して、コピー対象が、パスのギターソロでなく、
ソロ・ギターだったら、タブの方がボイシングとかリハーモニゼイションの勉強になる、という利点もあるかと。

徒然に書きました。

基本は、コピーですので、「自分がコピーした曲」が採録されている
譜面を探すのが第一だと思います。
タブ譜の是非の問題自体は、なかなか難しいところですが、
仮にコピーされたい曲が、CD「ヴァーチュオーゾ」とかの
ソロ・ギターで、かつ、クラシックギターなどの経験がなければ、
五線譜だとかなり厳しいと思います。
ただでさえ「職人芸」といわれているくらい、かなりなもんなので、
タブ譜であっても(それまでのギター経験にもよりますが)、
なかなか難しい、と思います。
ので、「自分がコ...続きを読む

Qギターサウンドのモノラルとステレオ

ライブで例えばスピーカー1発のコンボアンプをマイキングしてPAから音出す場合、結局複数の媒体から音が出ているということでいわゆるステレオになってしまうんですか?
となるとプロがライブで出しているサウンドはすべてステレオと考えていいのでしょうか?
それとも1発以上のスピーカーキャビの全てのスピーカーをマイキングして出すサウンドをステレオというのでしょうか?
もしくはパンナー等で音を自在に左右に振り分けれる状態をステレオと言うのですか?
どうも自分の中で定義が曖昧です、、、
それと単純にモノラルとステレオの短所長所が知りたいです。

Aベストアンサー

よっぽどの大会場であるとか、かなり凝りに凝った音響表現をしたい(極端な例で、客席の前後左右を音が飛び交うような効果を観客に聞かせたい…これ、相当高度な仕掛けが必要ですが)ということでなく、ステージ上の演奏サウンドを客席にまんべんなく送る場合であれば、スピーカが左右対向であってもPAはモノラルで出すのが基本です。

理由はいとも簡単で、例えばギターがステージ右端、ベースが左端で弾いているとして、それを客席中央奥から見えるままにパンを振ったら、ステージかぶりつきの席の右端の人にはギターばっかり、左端の人にはベースばっかりしか聞こえなくなりますよね。そんなアホなPAは普通はしません。

もちろん、例えば「ある曲で、ギターのイントロを客席の左から右に流れ動く表現をしたい」なんて時に、ギター音をパン操作する時はありますが、それは「特別なシーンだけ」で、その後、全体の音を客席に出す時にはモノラルに戻します。それでも、客席の皆さんには視覚的な効果もあって、それ相応に定位感を感じてもらえるものです(ま、ある種の錯覚といえる)。

ということを踏まえて…ですが、
>スピーカー1発のコンボアンプをマイキングしてPAから音出す場合
でしたら、仮に1発のスピーカに2個のマイクを据えたとしても、原則的にはマイク2チャンネルに同じ音が入りますから、ギター音としてはモノラルと等しい音しかPA卓には来ませんね。
何より
>結局複数の媒体から音が出ているということで
というのが、その意図がよくわからないんですが、前提ではスピーカ1発ですから、どこが「複数媒体」なのかよくわかんないんでけど?
スピーカ1発ならどう足掻いても単一音源ですが?

>となるとプロがライブで出しているサウンドはすべてステレオと
前段に書いたように、特別に「特殊な効果」を狙う場合は別として、プロステージでも基本はモノラルです。

>1発以上のスピーカーキャビの全てのスピーカーをマイキングして出すサウンドをステレオというのでしょうか?
「特殊効果を狙う」時の一環として、そういうマイキングをすることは、確かにあります。私自身は、ROLANDのジャズコーラス・アンプをマイク2ch録りして、客席にアンプのコーラス効果を流す…という手は使ったことがあります(そんなに大きくないライブハウスですけどね)。でも、実際にやるのは結構難しいですけどね。
ただ、この場合はジャズコーラス・アンプ自体が、内蔵の2つのスピーカを使ってコーラス効果を出せるアンプだからこそで、大ステージで仮に何台もアンプスタックをして、各キャビにマイクを立てたとしても、すべてのキャビから同じ音が出ているなら、マイクの本数にかかわらずPA卓に来る音は「モノラル×マイクの本数分」に過ぎず、結局はモノラルサウンドです。

>パンナー等で音を自在に左右に振り分けれる状態をステレオと言うのですか?
この部分だけを取り上げれば、逆の言い方になりますが「パンで音像を左右に振り分けるには、ステレオである必要がある」という意味で、ほぼイコールです。
ただ、これは客席出しのPAシステムがステレオになっていれば、音源そのものはモノラルでも、PA卓でオペレータがパンを調整すれば容易に行えます。ですから、この操作をする時のギターのマイクは1本のモノラルでもできます。
PAのシステム自体は、普通はステレオで組みます。ただ、PAスピーカから出す音は、最初の説明通りモノラル出しが基本です。

ということをまずご理解いただいた上でないと、「モノラルとステレオの短所長所」はなかなか説明しづらいので、ここまででご不明な点がありましたらどうぞ補足下さい。

よっぽどの大会場であるとか、かなり凝りに凝った音響表現をしたい(極端な例で、客席の前後左右を音が飛び交うような効果を観客に聞かせたい…これ、相当高度な仕掛けが必要ですが)ということでなく、ステージ上の演奏サウンドを客席にまんべんなく送る場合であれば、スピーカが左右対向であってもPAはモノラルで出すのが基本です。

理由はいとも簡単で、例えばギターがステージ右端、ベースが左端で弾いているとして、それを客席中央奥から見えるままにパンを振ったら、ステージかぶりつきの席の右端の人に...続きを読む

Qワンコードのアプローチの仕方について

ジャズ、フュージョン系のソロのとり方の勉強をしています。
たとえばワンコード(例えばCmコード)の場合
考えられるアプローチを教えていただけないでしょうか。

Aベストアンサー

コードトーン以外のアプローチには、導音(リーディングノート)、経過音(パッシングノート)、隣接音(アプローチノート)、転過音(チェンジングノート)、連続転過音(ダブルチェンジングノート)、補助音(アクセサリーノート)、係留音(サスペンション)、先行音(アンティシペイションノート)、逸音(アフターノート)などなど様々なパターンがありますが、この他にも半音階(クロマチック)を使用した、調性にとらわれないアプローチ、コードトーンをそのまま半音下、半音上などにずらしてそこからアプローチするアウトノートなど、本当にいろんなパターンがあります。

これを体得するには、やはりいろんな(お好きな)プレーヤーのアドリブ音源をたくさん聴いて、実践からコピーしていくのが一番です。
最初はそれを真似るだけで良いですが、慣れてくると自分なりに消化して、自分のアプローチスタイルというものが徐々にできてくると思います。まずはいろんな曲のアプローチを勉強しましょう。

Qジャズコンボでのギターバッキング

ジャズを修行中のものです。
個人練習はもちろんですが、セッションにも時々参加したり、練習サークルのようなところにも顔を出したりしています。

青本に載っているような曲ならだいたい、ソロはそれなりにできるのですが、バッキングが苦手です。とくにコンボでのバッキングが苦手です。

いわゆるジャズギター初心者向けの教則本に載っているようなコードフォームは、すべて把握しています。(6度ルート、5度ルート、4度ルートの4声コード)
およびその転回形、それにプラスして多少のテンションを入れたフォームや、II-V-I等のよく使う進行での常套パターンなどもいくつかは知っていて、コードメロディも自分でアレンジ(またはアドリブで)ある程度弾けます。

しかしコンボで合わせる場合のギターのバッキングの仕方といいますか、ソロギターやボーカルとのデュオでのコードプレイではない、ピアノが入っているときや、コンボのアンサンブルとしてのギターの入れ方に悩んでいます。
通常、3度+7度、1度+3度など、弦2~3本でテンションはあまり入れずに4ツ切り、というのが基本ですが、まあバップものなどの曲はそれでもいいのですが、4ツ切りが雰囲気的に合わない曲というのも多々あり、またモーダルな曲などではモードに基づいた4度積みコードをよく使いますが、それとてピアノとのコンビネーションが非常に難しく、どう弾いていいか戸惑ってしまいます。

こういったことは、実際にセッションをたくさんやる中で習得していくものと思いますが、時間的・金銭的なこともあり、そうしょっちゅう参加することもできず、自宅練習でもできるだけバッキングの練習をできればと思います。
こういう練習に向いた教材をご存知ありませんでしょうか?
楽器店の教則本売り場に行っても、初心者向けの「セブンスコードを使ってジャズの雰囲気を味わおう」的なものや、ボイシングの理論だけで終わっているもの、あるいは逆にバリバリ上級の超難解な本しかありません。(解説も英語でさっぱり解らなかったり)

もう少し「脱初級者」レベルのものを探しています。
たとえばジャズギター定番サイト「おふとんjazz」のこのページ
http://www2s.biglobe.ne.jp/~hongo/5c.htm
ぐらいの内容のレベルで、バッキングを集中的に練習できるような教材を探しています。
お薦めをご存知でしたらご紹介ください。よろしくお願いします。

ジャズを修行中のものです。
個人練習はもちろんですが、セッションにも時々参加したり、練習サークルのようなところにも顔を出したりしています。

青本に載っているような曲ならだいたい、ソロはそれなりにできるのですが、バッキングが苦手です。とくにコンボでのバッキングが苦手です。

いわゆるジャズギター初心者向けの教則本に載っているようなコードフォームは、すべて把握しています。(6度ルート、5度ルート、4度ルートの4声コード)
およびその転回形、それにプラスして多少のテンションを入れ...続きを読む

Aベストアンサー

 当方baです。
 質問者様の知りたいこととは違う内容ですが。

 ジャムセッションでピアノがコンピングしている場合は、コードバッキングはしないほうが吉と出る場合がほとんどです。

 私がジャムセッションでギターとピアノがいる場面に出くわしたとき、先にバッキングを止めた方に「あ、分かってるな」と(えらそうですが)思ったりします。
 質問者様がギターで、競演するピアニストにはここでアドバイスできないので、上記のように申し上げました。

 実際にバップ以降フュージョン以前の音源でギターとピアノがいる場合、ギターが継続的にバッキングしているのはあまり聴かれません。
総じてその時代の達人たちは空間の作り方が上手なように思います。(その分ピアノレスのトリオやデュオ、ソロなんかで弾きまくったりする)


 ただ、質問者様がコンボ形式のバンドに所属している場合、
1.曲やパートによってピアノ、ギターどちらがバッキングするか決める

2.どちらかがリズムパターンで、他方が白玉あるいはオブリガード風フレーズ等、役割やリズムが被らないようにする。
 (たまにボサノバやラテン等でギターとピアノが個々で絶妙にバラッバラのパターンを刻んでいる時がありますが、その時はそのジャムセッションに参加した自分を呪うしかありません。)

 等相談しながらやっていくといいと思います。そのうちそれがいつでもどこでも自然にできるようになるでしょう。


 なので自宅練習では難しいかも。練習というより心がけの問題じゃないでしょうか。

 当方baです。
 質問者様の知りたいこととは違う内容ですが。

 ジャムセッションでピアノがコンピングしている場合は、コードバッキングはしないほうが吉と出る場合がほとんどです。

 私がジャムセッションでギターとピアノがいる場面に出くわしたとき、先にバッキングを止めた方に「あ、分かってるな」と(えらそうですが)思ったりします。
 質問者様がギターで、競演するピアニストにはここでアドバイスできないので、上記のように申し上げました。

 実際にバップ以降フュージョン以前の音源で...続きを読む


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