演劇の大会で、「アンサンブル賞」というものがありました。
「もっともアンサンブルが優れた団体に贈られる」という説明があったのですが、
一般に、演劇において「アンサンブル賞」とは何が評価されているのでしょうか?
ご存知の方がいれば、教えてください。

A 回答 (2件)

演劇において、「その他大勢」的な人たちをアンサンブルと呼ぶことがあります。


ミュージカルなんかですと、そういう人たちのコーラスや、ダンスの一体感とか、揃い様とかが、結構その舞台を良くするか悪くするか、に影響します。

そういう部分に対する賞なのではないでしょうか?
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この回答へのお礼

なろほど!
合唱や合奏があるわけではないのに、何が「調和」なのだろうと考えておりました。
非常にすっきりりました。
ありがとうございました。

また、お礼が遅れてしまって申し訳ありませんでした。

お礼日時:2011/01/16 18:08

おめでとうございます。


私の認識では、
「脚本・演技・美術・音響・照明などが、すべて上手くかみ合っていて、バランスが取れている」ことが最も優れている舞台に与えられる賞ですね。
演劇は総合芸術ともいいますので、最大の誉め言葉ととらえていいと思います。
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この回答へのお礼

すみません、私が受賞したというわけではないんです。

私自信も、舞台のすべてがうまく「調和」している演劇のことなのかと考えていたのですが、
今回の場合は「とくにアンサンブルが良かった」といわれていたので、どうやら違うのかなと…。

いろいろな使われ方があるような気もします。

ご回答ありがとうございました。

お礼日時:2011/01/16 18:14

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Q英語に翻訳お願いします!!

写真を見て英語で紹介しなければなりません。
次の文を英語に翻訳お願いします!!!


私は歌う事が好きです。
この写真は私の所属する合唱部が
アンサンブルコンテストに出た時の
写真です。
賞はとれなかったけどみんなで協力して
歌えたので楽しかったです。

Aベストアンサー

I like singing. This is a picture of when the chorus which I am joining in took part in ensemble contest. Though we didn't win an award but I was fun because I could sing in collaboration with everyone.

Q演劇部の大会までスケジュールなどはどのように設定していますか?

演劇部の大会までスケジュールなどはどのように設定していますか?
例えば、台本選考に一週間
台本配布からオーディションまで2週間
役決め後から台本暗記まで2週間
などなど数字はテキトーですが…
また、みなさんは演技でどんなことに気をつけたり工夫していますか?

Aベストアンサー

9月の半ばが大会でしたので、以下のようなスケジュールで進めました。
ちなみにうちの劇部は、県大会常連校で、関東大会出場が悲願という活発な部でした。
5月、6月 台本決め。
ボイストレーニングや、体作りなど、
基礎練と並行して行います。
6月後半から7月 配役決め
夏休み 毎日6時間以上の練習と、裏方作業を経て大方完成。
9月 出来ていないところの徹底練習。
大会リハーサル。

という感じです。
頑張って下さい。

Qヴァイオリンとは

ピアノやサックスはソロでもやっていけると
思うのですが、
ヴァイオリンでソロで奏でている人はたくさん
いるのでしょうか?
やはりヴァイオリンはアンサンブルで価値を
発揮する楽器なのでしょうか?

それとヴァイオリンは外出先などで披露することが少ない楽器だと聴いたのですが、ヴァイオリンはピアノに比べて小さく、持ち運びやすいので、みんなに
披露しやすいと思うのですが、やはりそのような
場合も、ヴァイオリン一つで音楽を奏でると
物足りないなどがあるのでしょうか?

Aベストアンサー

ヴァイオリンのソリストいっぱいいますよ。

つい先日、結婚された川井郁子さんやTVでおなじみに高嶋ちさ子さんなど、クラッシック畑出身だけど、ポップスも演奏される方も増えているので、ずいぶんと親しみやすい楽器になっていると思います。

クラッシクに関して言えば、サックスは、新しい楽器なので、オリジナルの曲はすごく限定されます。それに対し、ヴァイオリンのソロの曲は、バロックから現代音楽までものすごくたくさんあります。
曲数を比べたことはないのですが、おそらくソロの曲の数という点では、ヴァイオリンとピアノはいい勝負をしているのではないでしょうか。

もっとも、サックスにしても、ヴァイオリンにしても、基本的には、ソロの曲と言っても、ピアノなどの伴奏がつきます。ただこの場合、ピアノのパートがかなり重要な曲でも(たとえば、ヴァイオリン・ソナタの中には「ピアノとヴァイオリンの二重箏曲」といった感じの曲もあります)ヴァイオリンやサックスのソロの曲として扱われることが多いです。

Q演劇における「俳優の視点」の意義とは?【演技論】

 役者って、演じる際に「役の視点、俳優の視点、観客の視点」の三つを同時に使い分けるそうですね。これに関する疑問ですが、その前に質問の背景から説明しておきます。

 前に「芸術心理学の新しいかたち」(編著:子安増生)という本を読んだ時に、とても興味深いことが書かれていました。第8章の「演劇の心理学──演劇の熟達者とは(執筆者:安藤花恵)」によると、演劇における演技論には日本であろうと西洋であろうと『心』を重視したタイプと『形』を重視したタイプの両方が必要であり、その二つが融合した状態が理想的なんだそうです。
 役の中に自己を完全に投入することで演じる役になりきったり、「この役がこの状況ならこんな気持ちになるだろう」とか想像したり、演じる役やその状況に相応しい感情を呼び起こすことに集中する方法論が『心』であり、そして外からはどう見えているのかという所から入って意識的に役を見せたり、「観客にちゃんと伝わっているのだろうか」とか考えたり、自分を観客の立場に置いて観客の視点から自分の演技をモニターすることに集中する方法論が『形』とのことです。
 河竹登志夫によれば「感情移入型」が『心』であって「他者表現型」が『形』と分類していますし、それからウィルソンによると「想像的アプローチ」が『心』であって「技術的アプローチ」が『形』であると分けているようです。



 ここから本題なのですが、安藤花恵によると演技には「役の視点」「俳優の視点」「観客の視点」という三つがあって、「役の視点」というのが「想像的アプローチ」にあたり、「観客の視点」というのが「技術的アプローチ」に対応しているのだそうです。しかし、私には「俳優の視点」の説明が今一つわからないのですよ。
 安藤花恵はグライトマン(Gleitman)という人の話を持ち出して「俳優の視点」を説明します。俳優は演技中、もし自分がその役であったなら抱くであろう感情を実際に抱いているのと同時に「もうすぐあの場所に移動しなければならない」というような段取りを決して忘れない、冷静な自分も残していると。前者が役の視点で、後者が俳優の視点に立っていると言うのです。
 しかし私には「もうすぐあの場所に移動しなければならない」という冷静さや、その思考結果から、どうにも「観客の視点」に回収しても良いのではないかと思うのですよ。何故ならその思考内容によって、前もって組み立てられている演劇のプラン(脚本みたいなもの?)を役の感情によるノリに基づいた無茶苦茶なアドリブの追加で潰したりしないようにモニタリングをした結果が生まれ、その結果として他の演者や観客の皆さんに迷惑がかからないように舞台の進行が脱線することなく運ばれていくからです。
 つまり、これなら「観客の視点」による『注意』だけでも良いんじゃないかなと。「ここでこうしないと周りが困るよな」で事足りていないかと。ちょっと言い過ぎかもしれませんが、それでも「俳優の視点」の必要性が「観客の視点」の範疇に含まれる気がしてなりません。図式化すれば「心=役の視点」「形=観客の視点and俳優の視点」といったところでしょうか。

 また、安藤花恵は「芸術心理学の新しいかたち」の220から221ページにかけて、次のように書いておられます。
>芸術というものは必ず何かの表現であり、基本的にはその表現の
>受け手を想定している。したがって「技能領域」であろうと「非技能
>領域」であろうと、「観客の視点」に立つことは重要であり、
>また「俳優の視点」や「役の視点」にあたるものが必要になることも
>多いのではないか。
 この発言からは「心=役の視点and俳優の視点」「形=観客の視点」といった区分けの仕方をしていることが薄っすらと示唆されており、三つの視点という分類の境界線がブレているように感じられます。
※ ちなみに技能領域と非技能領域の違いは、時間の制約を受けるかどうか、やり直しが出来るかどうかとのこと。

 それから安藤花恵はこの本の220ページで、フィギュアスケートや小説でも三つの視点が必要ではないかという文脈で、次のように語っています。
>たとえばフィギュア・スケートの選手は、「このように滑れば観客
>にはどのように見えるだろうか」「自分の今の滑りはうまくいって
>いるのだろうか」などと、「観客の視点」で自分のパフォーマンス
>を客観的に見るであろうが、それと同時に、「次の回転は苦手な
>ところだから慎重にしよう」などと、自分自身の視点、つまり、
>「俳優の視点」で考えたりもするだろう。
 ……そして良い文章を書くためにはその場にいない読者がそれを読んでどう感じるかを考える必要がある、という話の後に次の文章があります。
>つまり、「創造的非技能領域」に含まれる、
>小説を書く、作曲をするなどという芸能活動にも「観客の視点」が
>必要だといえるのではないだろうか。自分自身の視点(俳優の視点に
>あたる)から、「この部分を最大の山場にしよう」などと考える
>こともあるだろうし、小説などでは、その登場人物の視点に立って
>考えることもあるかもしれない。
 フィギュアスケートによる説明のケースも、あくまで『注意の喚起』が必要なだけであり、これなら「俳優の視点、観客の視点」などという区分をせずとも「形=観客の視点、他者表現型、技術的アプローチ」だけで良いでしょう。とにかく客観視することが目的ですからね。小説による説明の場合も、即興劇ならともかく、通常の演劇ならば上演前に作るべきことは既に作り終わっており、その事前に立てたプランを上演時間中に実行することが目的なので、特別これといって『実演中』に「俳優の視点」へと移行させなくても構わないのではないでしょうか?

 他にも、215ページにて安藤花恵自身が大学時代を振り返っての経験を、次のように書いております。
>つまり、自分の演じる役がどう感じているか(役の視点)や、自分が
>観客にどのように見えているか(自分だけを見る観客の視点)を
>考えるだけでなく、劇全体が観客にどのように
>見えているか(より良い観客の視点)を考えたり、脚本をよく読んで
>全体の流れなどを分析する(俳優の視点)ことを学んだのである。
 俳優の視点があれば、上演中に思わぬ緊急事態が発生した場合でも、全体の流れを汲み取って上手に軌道修正することが出来るでしょう。しかし、ある意味ではそういった対処が迫られた時にのみ必要であって、上演している間に役者が「俳優の視点」を『つねに』心掛けることはしなくて良いのではないかと思われます。



 このように「芸術心理学の新しいかたち」をいくら読んでも「俳優の視点」の必要性がよく分かりません。
 「役の視点」の意義なら、まだ分かります。よく言われるように役の情感がこもっていない演技は、たとえどんなに素晴らしい技巧が演技の中にあろうとも魅力が少なく、何か物足りなくて、どこか嘘臭さが感じられるそうですね。逆に「役の視点」がしっかり出来ていれば、魅力的に映り、その感情に嘘がないように感じられるみたいです。紋切り型の演技では難しい、役に命を与える作用がそこにあるのでしょう。
 「観客の視点」の意義もまだ分かります。演じる者にこの視点が無ければどうなることでしょう? 演者は必要な情報を観客に必ず届けねばなりません。でなければ観客の手から作品世界に入るための手掛かりが不足し、作品の外へ放り出されてしまいます。観客のためにも、冷静さと微調整を忘れずに、大事な情報をいかにして最適な演技で伝えるか、ということを演技の最中であろうとも頭に置いておくべきです。
 ところが「俳優の視点」の意義は、どうにもこうにも分かりません。これなら、役に入り込むのと同時に演技のモニタリングが出来る役者であれば誰であろうと構わないんじゃないですか? 幾らでも交換可能である歯車的存在に過ぎなくて、別に役者自身の視点を舞台に持ち込むことはしなくてもいいかと思われます。というか「俳優の視点」の具体例をどんなに眺めても、その視点ならではの『特色』が見えてこないのですよ。
 極論を言えば次のようになります。「あぁん? 俳優の視点だと? そんなもん屁でもねぇな! 役者ってのは『観客にメッセージを送れるシャーマン』であればそれで十分なんだよ!!」
 ……しかしこの極論は流石に変です。根拠はありませんが、感覚的に「これはおかしいぞ」と胸騒ぎを覚えるのです。ですがその理由をはっきりと掴むことが出来ません。
 私の素人的意見としては『心』と『形』の二つだけで演技を語るのにちょっと無理があるのではないかと思っているのですが、どうなんでしょう?



 長々と書きましたが、質問は以下に述べる三つです。どれか一つだけ選んで回答する、というのでも全然構いません。
・質問その1
演劇の実演中に「俳優の視点」を取り入れなくても良いのでしょうか? それとも取り入れたほうが良いのでしょうか? また、その理由は何なのでしょう?
・質問その2
改めて「役の視点、俳優の視点、観客の視点」を解説してもらえませんか? 特に「俳優の視点」について重点的に説いてもらえると助かります。
・質問その3
もしも「俳優の視点」が無かったら、どのような舞台になるのでしょう? つまり「役の視点」も「観客の視点」も立派なのだけれども「俳優の視点」が欠落している演劇からは、一体何が失われているのかということです。というかそのような演劇を実際に見たことがある人っているのですかね?

 演劇未経験者であり芸術に疎いド素人な私にも分かるように説明して頂けると助かります。

 役者って、演じる際に「役の視点、俳優の視点、観客の視点」の三つを同時に使い分けるそうですね。これに関する疑問ですが、その前に質問の背景から説明しておきます。

 前に「芸術心理学の新しいかたち」(編著:子安増生)という本を読んだ時に、とても興味深いことが書かれていました。第8章の「演劇の心理学──演劇の熟達者とは(執筆者:安藤花恵)」によると、演劇における演技論には日本であろうと西洋であろうと『心』を重視したタイプと『形』を重視したタイプの両方が必要であり、その二つが融合し...続きを読む

Aベストアンサー

引用されている文献の内容が完全に把握出来ていないので、ピントがずれるかもしれません。

先ず、役の視点・観客の視点・俳優の視点、についてです。
役の視点=感情。
観客の視点=技術。
俳優の視点=演者。
だと考えたら良いのではないかと思います。
演技を成り立たせるのは、感情と動作(声を含む)だけです。実際に演じてみると納得されると思いますが、感情と動作以外に使えるものが無いのです。
では、この2つを少し詳しく考えてみましょう。
感情。
これは「喜怒哀楽」のような純粋な感情です。例えば、口論する場面などを演じてみると、実際に怒りを感じて来たりします。こうした役柄が辿ったであろう感情を掴む事と、そこに至るアプローチを役の視点と表現しているのでしょう。
動作。
これは歌舞伎における形と同じです。或いは、悲しい顔に見えるには後何センチ下を見たら良いか?といった技術です。これは演者には見えず、観客側からしか見えません。稽古や工夫を重ねて磨くしかありません。だから、観客の視点なのでしょう。

基本的に演技はこの2つの要素で成り立っています。でもこれは演技論であって、実際の舞台の上には演技を行う俳優が存在します。現実にはこの俳優が感情と技術のバランスを取りながら、演技を行います。
役柄の感情をしっかりと抱え込み、技術を駆使して観客に伝えながら、俳優は終幕へと向かって定められた道を進んでいきます。これが俳優の視点です。
演技に没頭しながらも、その演技を一定の方向に導いていく意志又は意識と呼んでもいいかもしれません。

これが欠落していたり希薄な場合、舞台が破綻する場合もあります。コントロールを失ってしまうからです。

こんなとこですが、伝わりましたでしょうか?
拙い解説で、すみません。

引用されている文献の内容が完全に把握出来ていないので、ピントがずれるかもしれません。

先ず、役の視点・観客の視点・俳優の視点、についてです。
役の視点=感情。
観客の視点=技術。
俳優の視点=演者。
だと考えたら良いのではないかと思います。
演技を成り立たせるのは、感情と動作(声を含む)だけです。実際に演じてみると納得されると思いますが、感情と動作以外に使えるものが無いのです。
では、この2つを少し詳しく考えてみましょう。
感情。
これは「喜怒哀楽」のような純粋な感情です...続きを読む

Q千葉県

こんにちわ♪
私は、生まれも育ちも「千葉県」です。
そこで、質問なんですが、皆さんが持つ「千葉県」「千葉県民」のイメージを
教えて下さい(*^∇^*)やっぱり、落花生とか海とかなのかな?
ふと気になったんで(笑)
生まれてから、約20年間千葉に住んでいるので、自分ではどうしても「千葉県」「千葉県民」を客観視できなくて・・・
辛口意見もOKです♪(笑)ただ、単なる中傷とかは、千葉県を愛してる人もいると思うからご遠慮下さいね。

Aベストアンサー

私も千葉県生まれの千葉県育ちで千葉大好きッス!!

別に客観視しなくてもいいと思います。

千葉の銘菓といえば「パイまん」と「ほろにがい千葉ん」でしょ~
特に「ほろにがい千葉ん」
この辺のダジャレっぷりが千葉っぽくていいよね!!
千葉は気候も暖かく、海も山も近くにあるので生活に困る事はほとんど無い。
他の地域の人たちより暑さ、寒さに苦しむ事も無く穏やかなので
性格ものんびりおっとりが多いんじゃ無いかな~
口が悪い人は多いけどね。「バカ」は親しい人への挨拶みたいなモンだしね。
それって千葉県民なりの愛情表現。
他の地域の人たちは知らないから吃驚したり怒ったりするけどね~

俺も千葉県人だからのんびりぼけ~ッとしているし、千葉はいい所だし
このまま一生千葉にいたいと思っています。

Q3〜4人で出来る高校演劇の脚本を探しています。部員が女子4人、男子2人と少人数なもので探しても探して

3〜4人で出来る高校演劇の脚本を探しています。部員が女子4人、男子2人と少人数なもので探しても探しても、なかなか当てはまる台本が見つかりません…
顧問の先生からネットの台本はあんまり…といい顔をされないのでしっかりした台本で60分以内に収まるオススメの脚本ありましたら教えてください<(_ _*)>

Aベストアンサー

こんにちは。

『高校演劇セレクション』というシリーズはご存知ですか?
高校演劇の大会で優秀な成績を残した演目の台本がまとめられた本です。
大会用なので、必ず60分以内に収まるようにできているし、かなりの数があるので、少人数向けもあると思いますよ。
私の高校では、学校内の図書館に沢山置いてありました。

でも、いちばん手っ取り早いのは自分たちで作ることですね…。
台本使用料が要らないから部費の節約にもなりますし。

演劇部って人数少ないと大変ですよね!
負けずに、劇、成功させてください!

Qアンサンブルコンテスト

こんばんは。再度質問いたします。
今、アンサンブルコンテストの編成決めを金管セクションでしているのですが、どうも上手く行かず困っています。何個かチームを作っていった所、残った人をどう組むかで困ってしまいました。
余った人のパートはそれぞれトランペット一人、ホルン一人、トロンボーン二人、ユーフォニアム二人、テューバ一人です。テューバの人はペットも出来ます。あと、もし必要であれば上記の人々に加えてストリングベース一人も加入させられます。
皆を出場させてあげたいと考えております。皆さんならこのメンバーで、どのように編成を組みますか?(チームの数は何個になっても構いません。)もし組むとしたら、そのチームでどのような楽譜を用いれば良いでしょうか?具体的な曲名を挙げて頂ければ嬉しいです。
どなた答えて下さる方がいらっしゃいましたら教えてください。本当に困っています。

Aベストアンサー

この編成では既成の楽譜を使用するのは無理だと思います。
よって自分たちで編曲する必要があります。トランペット、ホルン、ユーフォニウム2人で旋律および対旋律を担当し、残ったトロンボーン2人とチューバで和声、ベースを担当します。
バッハのコラールなんかどうでしょうか。「主よ、人の望みの喜びよ」とかオルガン曲「トッカータとフーガ」など。

Q【音楽・声楽】ここは音域が狭いので「言葉をたてて」歌ってください。 言葉をたてるってどういう意味です

【音楽・声楽】ここは音域が狭いので「言葉をたてて」歌ってください。


言葉をたてるってどういう意味ですか?

Aベストアンサー

言葉をつなげて発声するのではなく、はっきりと発声することかと思いますよ。

Qアンサンブルメンバーの募集サイトについて

クラシックの楽器での、アンサンブル等のメンバー募集をしているサイトはどこでしょうか?なるべく大きなものが良いのですが・・・。

Aベストアンサー

APA(エイパ=アマチュア演奏家協会)はどう?

月4千円の会費が必要だけど。

Qボエームのアンサンブルの難所

プッチーニのオペラ ボエームの声楽アンサンブルの難しい場所を教えてください。

Aベストアンサー

声楽専門の方だと思っていたのですが、違いましたかね(お久しぶり)。
声楽家なら、御自身の方が的確な判断ができると思ったのですが。

好きな作品なので、全曲通してチェックしてみたのですが、
楽譜上の印象や聞いた印象からはある程度の判断はできますが、
実際に歌う場合のアンサンブルの難しさという感覚は現場で当たってみないとわからない部分もあります。
また、一見難しくなさそうでも、演出によって、
歌手の立ち位置やほかの歌手との位置関係、動きなどで難しくなるところもありそうです。

アンサンブルの個所は、すべての幕に出てきますが、
基本的には複数の歌手が交互に歌う個所が多く、
同時に複雑に絡む場所はそれほど多くないですね。
第1幕や第4幕は、基本的に交互に歌うアンサンブルが多いようです。

私が見て難しそうだと感じるのは、
第2幕でムゼッタが登場する場面とか、
ムゼッタのアリアの中でほかの歌手が絡む個所(テンポ・ルバートを伴う)、
同アリアの終盤で、合唱も交えて複数のパートが入り組んだリズムで重なるところ、
それと、第3幕の終わりの、ミミとロドルフォの二重唱が終わったあとの四重唱の部分です。
特に、ムゼッタのアリアの終盤から児童合唱が入るまでの箇所と、第3幕の四重唱かなあ。

あまり参考にならないかもしれませんが。

声楽専門の方だと思っていたのですが、違いましたかね(お久しぶり)。
声楽家なら、御自身の方が的確な判断ができると思ったのですが。

好きな作品なので、全曲通してチェックしてみたのですが、
楽譜上の印象や聞いた印象からはある程度の判断はできますが、
実際に歌う場合のアンサンブルの難しさという感覚は現場で当たってみないとわからない部分もあります。
また、一見難しくなさそうでも、演出によって、
歌手の立ち位置やほかの歌手との位置関係、動きなどで難しくなるところもありそうです。

アンサン...続きを読む


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