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みなさんこんにちは、はじめまして。お時間ございましたら、よろしくお願いします。

私は今、高校2年で中高一貫校の部活、弦楽器オーケストラのコンダクターを務めさせていただいております。今年の5月にコンダクターとしての定演を控えており、ただいま猛練習の最中です。
すでに昨年夏に発表会、秋に文化祭公演を無事に終えており、達成感と共に<指揮者として自分ができること(しなければならないこと)>をそろそろ明確に感じ取っていなくてはならないはずなのですが…私はまだそれを完全に掴みきれておらず、いろいろな要因をもって未だ気持ちがモヤモヤしたままでいるのです。

もちろん、いろいろな方法で指揮者、について自分流に研究しました。文献を読んだり、プロの演奏者の方に相談にのっていただいたり…。
まず指揮者の定義として、オーケストラ・リハーサル(練習)に至るまでにスコアの書かれ方(楽曲分析)や舞台上の楽器のあれこれ(楽器の配置や特徴、弦楽器ですのでダウンアップやボウイング)、作曲家ごとの実際の鳴り響きの違いを勉強した上で、実際オケの中で自分のソルフェージュ能力や音楽性を使って理想の音楽に近づけていく重要パートであるということ。(それこそ指揮者の「顔」「表情」次第で演奏が変わるのだということも教えていただきました。)
ここでは省略しますが、たくさんの指揮者の役割を学び(全く、全然できていないかもしれませんが)、近づけるようできる限り努力しようとしますが、やっぱりオケの中で自分が不安になってしまいます。オケ中のみんなの表情が、ひとつの音楽を奏でることに楽しそうでなく見えるのです。それを感じて「どうしよう」、と焦りと不安を覚えることが続いています。
暗い気持ちでぐるぐるして、不安そうな今の私で、せっかく「弾きたい!」「音楽が好き!」という思いで部活にいるだろう部員のみんなに申し訳ない気持ちでいっぱいです。こんな自分もオケも雰囲気も気持ちも変えるためにも、<指揮者ができること(しなくてはならないこと)>とは何でしょうか。

個人的な話になってしまうのですが、あまり精神的にも強くなく、その上音大に進学する意思もないためか、以前ずっと音楽関連の習い事を続けていたわけでもないので、音楽性に欠けてしまっている自覚はあります。
それでも指揮者が大好きです。自分をもっと音楽を好きにさせてくれた、いろいろな出会いや経験に巡り合わせてくれた、そして何よりもひとつの演奏をみんなで形にできた時の気持ちをくれた指揮者が好きです。自分で選んだ道です、最後まで絶対にあきらめずに頑張りたいのです。

悩みを最終的に達成するには最終的には自分で懸命に努力し頑張ります、その手助けとして<学生指揮者ができること(しなくてはならないこと)>とは具体的にはどのようなことか、それを実行するためにはどのような気持ちでいなければならないかなど、どんな形でも良いので、みなさんの回答をよろしくお願いします。

拙い長文をここまで読んでくださり、ありがとうございました。

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A 回答 (4件)

まず、最初にお伝えしたい。

「世界を、地球を、背負い込むな。」
次に言いたい。「何人もの仲間の中から、ご質問者さんに備わっている力を見出されて指揮者に選ばれた。自信を持て。」
それからもう一つ。「指揮者と奏者は互いが互いを映し出す鏡。指揮者が気持ちを前向きに、楽しもうと思えば奏者もやがて同じ気持ちになれる。」

以下は短い標語ではなくてアドバイスです。
奏者への指示は「褒め育て」専一にしてマイナス指向の言葉を選ばないこと。
叱られてノレる奴はいません。当分の間は演奏の欠点は放置しておいて美点を褒め続けていると欠点はそのうち自然に消えます。欠点を指摘しても良いのは指揮者を含めて全員が自信を持ち始めたと思えた時でしょう。

素晴らしい指揮者になろうと思えば、それこそ音楽に無関係な事まで含めて際限がない勉強になります。真剣にそれを思えば自信を持てる方がおかしい程だと思います。私もそれを読んだ時には指揮者になった巡りあわせを恨みましたよ。一方でアマチュアの良さはそこそこで楽しめる事です。この点でプロはアマチュアに負けています。それはとても大事な事なのでお忘れなく。

私が掴んだ指揮のコツは、指揮が決まった曲はしっかり感性を澄ませて聴き、「あなたに」見えてくる「景色」を掴んでそれを「可視的に、具体的に」奏者に伝える事です。他人の感性を借りるのではなく、自分の感性を磨けば「貴方が指揮する曲はどこか違って魅力があり、何か面白い」と言われるようになりますよ。

以上、大昔の学生指揮者で、今は同じ時間を使うなら楽器演奏で音を出すほうがずっと面白いと思えるようになってしまった変わり者からのアドバイスです。
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3回に1回はほめる。

観客は演奏者のエネルギーを感じるから、楽しくやってるかつまらなそうにやってるか、違いが出ます。

理想の形に持って行こうとして、外れた音やおかしい所を、「そうじゃないよ」と指摘するのは当然ですが、それが治った時に、「絶対これのがいいね」で、むずかしいパートがよくできたら、「今の、XXがよかった、この感じで行こう」と。練習後でも、一人ずつ(あるいは数人でいる時に)声をかける機会を作り、その人のいい所、期待する箇所などをさらっと話し、自信を持たせる。

以上は製作会社のディレクターの取る方法です。

柏高校ブラスバンドのビデオを貼りました。楽しそうに演奏してます。

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>オケ中のみんなの表情が、ひとつの音楽を奏でることに楽しそうでなく見えるのです。


指示をするときに、どうだからどうしようと具体的な説明をする。
全体としてどのように向上したかを具体的に話す。自分の思いも。
どのパートあるいは誰がどのように向上したかを具体的に話す。自分の思いも。
自分が迷っているときは団員の意見を聞きながら共に音楽をつくる姿勢で取り組む。
自分をさらけ出し、団員との距離を近くし、時には冗談を言い、よい雰囲気で練習ができるように努める。
練習をどのように進めたいのか、パートリーダーなどと相談しながら、個人ではなくチームとしてオーケストラをまとめていくようにする。
楽しい、うれしい、よしやるぞ、今のいいなあ、と思うことを顔や言葉で十分伝えることが特に大切かと思います。
音楽的なことでは、表現方法について自分が勉強したことを伝えることもいいですね。
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確認ですが、本番は質問者さん自身が指揮するのですか、それとも外部から指揮者を呼んで指揮してもらうのですか?


質問文の書かれ方からすると前者のように思われるのですが、もしそうならプロの指揮者と同じ役割を担う必要があります。といっても、さほど大げさに考えることはありません。
指揮者というのは、棒を振ってテンポや入りのタイミングを指示するのが仕事ではありません。
曲の解釈や奏者の演奏法(表現)の統一というのが最大の役割です。
学生指揮でも、本番で指揮を取るなら「解釈の統一」をしなければいけません。テンポ正確に刻むだけならメトロノームで充分なのです。

「解釈」と書くと難しく考えてしまいますが、失礼ながら学生オケで「曲の解釈」なんていうのは誰も期待していません。むしろ、あまり色気を出して変な解釈をして演奏してしまうとイヤミに感じられますので、ここはオーソドックスな表現で演奏することを心掛けるべきでしょう。
ということで、学生オケにおける指揮者の役割として一番重要なのは、「奏法の統一」と「バランスを取る」ことくらいです。

例えば楽譜上にスタカートが書いてあったとして、指揮者が何も指示しなければ奏者は銘々「自分勝手に」音を短くして弾くでしょう。つまり、奏者個人の解釈で自由に演奏させていることになります。でもこれでは奏者個人毎に「スタカートの音価が微妙に異なる」ということになります。
スタカートは一例ですが、要するに奏者は皆、楽譜に書かれている指示を「自己勝手流」に判断して演奏するのです。
そのままで合奏しても、一応それなりの演奏には聴こえるでしょうが、「まとまった、整った響き」にはなりません。そういう細かなニュアンスを全員が統一して初めて「豊かな響き、深みある演奏」になるのです。
指揮者はそれを統一すべく、全員に細かく指示を出すことが必要です。
と同時に、指示を出すだけでなく、それをチェックし、出来ていない者に修正させることが大事なのです。
指示を出すだけでは自己満足です。
奏者というのは、特にアマチュア相手の場合、一度の口頭の指示だけで全てを了解し、正確に演奏に反映させることが出来る人はほとんどいません。
指揮者は客観的な立場から「耳で聴いて」出来ているか否か判断し、その結果、出来ていなければ出来るようになるまで根気良く注意を与え続けなければいけません。
そのため指揮者にはバトンテクニックよりも「耳」を鍛えることのほうがずっと重要なのです。
正しい、理想とする演奏になっているか、的確な音量バランスで鳴っているかを自身の耳で「聴いて」判断できなければいけません。出来ていなければ、分かり易い表現で奏者に伝える能力も必要です。

また、これらのことをするためには、指揮者自身の中で「表現(解釈)」が固まっていないといけません。
指揮するたび、指示の内容が変わってしまっては奏者は混乱するだけです。
自分の頭の中で何回も「理想とする演奏」を鳴らし続け、イメージが具体的な音のレベルで固まっていないと明確な指示は出せません。
本番ではどういう演奏をしたいのかを、指揮者が代表して誰よりも深く全体像を作り上げておかないといけないのです。これらは指揮(練習)を始める前に完了していないといけないことです。
練習中に迷いがあると、練習の都度、指示の内容が変わってしまいますのでいけません。
スコアをじっくり読んで、どういう音楽に仕上げたいかをイメージする。
イメージが固まったら、あとは練習時の実際のオケの演奏と自身のイメージの中にある姿とを比較し、異なる箇所を指摘してイメージに近づける。
これの繰り返しです。
基本的なテクニックの練習(音程等)は、指揮者が行うものではなく、合奏練習の前に別途トレーナーやパートリーダー等の責任において済ませておくべきです。
指揮者が行う合奏練習の際は、基本的なテクニックの練習ではなく、表現(奏法)の統一や音量バランス等の練習に充てるべきでしょう。そうでなければ、折角全員が集まって行う貴重な練習時間が無駄になります。
基礎が出来ていないと思われる場合は、担当のパートのリーダーやトレーナーに指示を出して、パート練習やセクション練習時に徹底して訓練させるように別途指示を出し、指揮者自らがそういう基礎練習に携わらないように心掛けましょう。案外、こういう「本来すべきではない」基本的な練習を指揮者が無駄に時間を割いてやっている例が多いです。指揮者の本分をわきまえて、正しい・効果的な練習をして下さい。
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Q学生指揮者について

こんにちは。質問させていただきます。
私は、小規模なオーケストラの学指揮を任されています。
合奏のときに、決められた曲の指示をするのですが、
いまいち何を言っていいのか分からないのです。

・CDを聞いて、曲を理解して、オケの前で指示をしても
言いたいことがみんなになかなか伝わらない

・その指示があっているかもわからない

・抽象的な指示しか思いつかない

という具合で、みんなが盛り下がりよくない空気が流れてしまいます。
先生が見てくださるときは、端的な指示で、わかりやすく、部員も
楽しんで合奏をしているのです。

端的で、的確で、分かりやすい指示をするのに、コツってあるんでしょうか?
学生の範囲でいいので、スコアを読んでよい指示が出せられるようなアドバイスを頂きたいです。

Aベストアンサー

大学の吹奏楽部で2年ほど指揮をしていました。
私が現役の時に気をつけていたことを書いておきます。
(1)みんなに楽器を鳴らさせる
バンドのみんなはあなたの話を聞くためにあなたの前に座っているのではありません。楽器を演奏するために座っているのです。あなたがよっぽど話術に長けている人なら話は別ですが、まずはみなさんがどれだけ合奏時間中に音を出せていたか、に心を割いて下さい。他のパートがやっているのを長時間聞いているのは意外と暇です。もちろんのべつ幕なしに演奏させる、というのではなく、例えばどこかのパートを取り出したとしてもあまりそこに長時間こだわりすぎず、今すぐできそうにないことなら「練習しといてください」と区切って全奏に移る、のようにする、ということです。
(2)指示は簡潔に
文章を読んでいると講師の先生が他にいて、その人の下振りをしている、ということでしょうか?
もしそうならばあまり抽象的なことを言い過ぎない方がいいでしょう。イメージなどの場合、全く同じセリフだったとしても誰が言うか、またどのような表情、声色でいうかによって相手に与える印象も違いますし、各人が受け取る印象も違います。
「大きく」「小さく」「強く」「弱く」「長く」「短く」「高く」「低く」「速く」「遅く」「聞いて」「合わせて」この12個の言葉に「~パートの~の部分」という言葉を付けるだけで十分伝わります。こちらが百の言葉を尽くして語るより実際音を出してもらって「その感じ!」という方が相手にとっても理解しやすいのです。
もしあなたが本番でも振る正指揮者だったとしても、抽象的な表現を多用するのはよくないでしょう。理由は上に書いたとおりです。
(3)相談は怠らない
合奏中の指揮台の上からの言葉より、指揮台を下りてからの言葉の方が大切です。大勢がいる中で一対一(どこか特定のパート)で相談していたら、他の人はすることがありません。そういう時間の要するものは「合奏終わってから言います」と宣言して先に進みましょう。
また、合奏前に各パートに相談するのもよいと思います。指揮台の上から意見を求めたら何も言わない人でも、合奏前に「ねえねえ、この曲の○○の部分こうしようと思うねんけど、どう思う?」なんて聞くと大概は「そうだな~ここは俺は…」みたいに返ってきます。合奏前にある程度するところを話しておくというのも有効な手段です。

大学の吹奏楽部で2年ほど指揮をしていました。
私が現役の時に気をつけていたことを書いておきます。
(1)みんなに楽器を鳴らさせる
バンドのみんなはあなたの話を聞くためにあなたの前に座っているのではありません。楽器を演奏するために座っているのです。あなたがよっぽど話術に長けている人なら話は別ですが、まずはみなさんがどれだけ合奏時間中に音を出せていたか、に心を割いて下さい。他のパートがやっているのを長時間聞いているのは意外と暇です。もちろんのべつ幕なしに演奏させる、というのではな...続きを読む

Qセクションリーダー

中2の女です。
吹奏楽部に所属しており、金管のセクションリーダーになりました。

でも具体的に何すればいいか全然わかりません。
人を仕切ったりするのが苦手で、自分の考えは人の反感を買うようなことが多いです…。

また、何をすればいいのかわからないのに加えて自信がないです。
新木管リーダーの話では、相当ストレスが溜まるそうです。ただでさえ普段の部活でストレス溜まっているのにセクションで練習するときに文句言われたりしてしまったらどうしよう…と、つい悲観的になってしまいます。

何をすればいいか と
自信をつける方法教えて下さい!!!

Aベストアンサー

指導者によって多少異なりますが、大体共通していると思われる点を書いてみます。

まず日常の練習においては、セクション内の現状の把握と、課題の克服を指示することです。具体的には、ピッチや音色、リズム感、ハーモニーなどです。これを前提として、パートリーダーと相談して各パートの練習目標を設定し、セクション練習の際に全体で確認を行います。

セクション練習では、特にパート間の差をなくし、ピッチや和音を統一できるように練習します。このときに出てきた課題は、次の各パートの課題になりますね。

同様に、合奏で木管や打楽器と併せて明らかになった問題点は、セクションやパートのレベルで克服しなければなりませんから、各パートリーダーや木管セクションリーダーと相談して練習メニューを考えていきます。

演奏会やコンクールに向けての練習もほぼ同様で、セクション内の問題の克服と、他のセクションとの間の問題の解決が主な仕事です。

私の場合、パートリーダー・セクションリーダー・部長と経験してきましたが、アマチュアとして一般バンドに身を置くようになって思うのは、リーダーだからといって仕切る必要はないということです。仕切るというよりは、むしろ自分の責任下のグループを見渡して、どこに問題があって、その解決のために何が必要かを考えるのが、それぞれのリーダーに求められる責任でしょう。
客観的に判断して必要な練習を指示できるのが良いリーダーです。

人間の集団なので、あるやり方に不満を持つ人も当然いるはずです。クラブに限らず、会社でも、学校の先生同士の間でも、もちろん隣近所との関係でもそうです。
ですが、だからといって、全ての人が自分の言い分を通すことはできません。それらの意見を集約して、クラブとして1つの方向性を示すために、部長やセクションリーダー、パートリーダー、各係の責任者がいるのです。

文句を言ってくる人もいるでしょうが、そういう人には公の場で発言してもらうようにすると良いでしょう。「いいたいことがあるなら、みんなの前で言え」ということです。
例えばミーティングや、パートリーダー会議などです。みんなの前で発言するということは、それだけ自分の発言に責任を持たなければなりませんから、単に感情的なだけの文句はいうことができないはずです。

客観的に、冷静に現状を把握していれば、自ずとみんなは理解してくれるでしょう。独りよがりになったり、感情的な言動をすると、みんあの理解は得られません。その点に注意できていれば、文句を言ってくる人も減ってくるはずです。

どうしても困ったことがあれば、顧問の先生の相談に乗ってもらいましょう。

付け加えるなら、グループを作らないことです。仲が良いからといって数人でグループを作ってしまうと、その中で偏見が起こりやすく、クラブ全体の雰囲気を悪くします。
セクションリーダーとしての責任を果たすべきところと、友人として仲良くすることは、きっちりケジメを付けることが大切です。それがまた、信頼の元ともなるはずです。

指導者によって多少異なりますが、大体共通していると思われる点を書いてみます。

まず日常の練習においては、セクション内の現状の把握と、課題の克服を指示することです。具体的には、ピッチや音色、リズム感、ハーモニーなどです。これを前提として、パートリーダーと相談して各パートの練習目標を設定し、セクション練習の際に全体で確認を行います。

セクション練習では、特にパート間の差をなくし、ピッチや和音を統一できるように練習します。このときに出てきた課題は、次の各パートの課題になりま...続きを読む

Q第3音の音程のとり方について

今私は独学で純正律の勉強をしています。そこでひとつ疑問に思ったことがあります。

一般的には、
「メジャーコードの第3音は低く取る」
「マイナーコードの第3音は高く取る」
といわれていると思いますが、疑問に思ったのはマイナーコードのほうです。
その内容とは、
「マイナーコードの第1音と第5音を低く取る、という説明がなされず、なぜ上記のような説が通っているのか?」
ということです。
以下にその根拠をまとめます。

ドを基準に音程を考えると、ミは長3度の関係にあるので平均律より低くとるべき。
ラは完全4度+長3度なので、やはりこちらも低く取るべき。
さらにラとドの関係は短3度の関係にあります。
つまり、第3音として低くとったラとミに、基準のドを加えれば、
純正のマイナーコードが出来上がります。

ここで平行調の移調を考えると、ハ長調で定義されたCとEとAをそのまま使えば、イ短調の主音のマイナーコードができます。
つまり、マイナーコードの音程のとり方は、
「マイナーコードの第1音と第5音は低く取る」
と考えたほうが理に適っているような気がします。
「第3音の音程を上げる」と考えてしまうと、平行調との関係は希薄になってしまうのではないでしょうか。

別の言い方をすれば、完全4度と完全5度は平均律と純正率は同じ、
3度の音程の上げ下げの幅を無視すると、
「長調ではミ・ラ・シの音程を下げる」
「短調ではレ・ミ・ラ・シの音程を下げる」
これが純正律音階での平均律と比較した場合の正しい説明になるのではないでしょうか?

いくつかの参考資料を見ましたが、「第1音と第5音の音程を下げる」という説明がされているのは一度も見たことがないし、
私は音大などは出ていませんので、学問としてどのように説明されているのかもよく分かりません。
できれば専門家の方の意見をお待ちしております。

今私は独学で純正律の勉強をしています。そこでひとつ疑問に思ったことがあります。

一般的には、
「メジャーコードの第3音は低く取る」
「マイナーコードの第3音は高く取る」
といわれていると思いますが、疑問に思ったのはマイナーコードのほうです。
その内容とは、
「マイナーコードの第1音と第5音を低く取る、という説明がなされず、なぜ上記のような説が通っているのか?」
ということです。
以下にその根拠をまとめます。

ドを基準に音程を考えると、ミは長3度の関係にあるので平均律よ...続きを読む

Aベストアンサー

A.1~2への補足拝見しました。
平行調の場合はそれでも実用上の問題は出ないと思います。
ただ、音程のとり方はド・ラ間が短三度のため広めに(ラを低めに)とり、そのラを基準にドとミの音程をとるため、結果として根音と第五音が"平行調の主音に対して"低目となるのです。ただ、これをいうならメジャーコードについても、「ラを基準に考えると根音と第五音を高めにとるべき」ということができますね。考え方が長調に偏っていませんか?ABC、イロハの音階はどこから始まっていますか?

また、マイナーコードが出てくるのは平行調だけではありません。たとえば同主調のCm、主音を低めに取ってしまうと"同主"調ではなくなってしまいますね。サブドミナントマイナーのFm、これも第五音を低めにとるとCメジャーとの縁であるファ・ドが大きく異なってしまいます。ポップス・ジャズでは進行の要とも言えるトゥー・ファイブのDmはどうでしょうか。純正律ではDはCに対して高めにとるのではありませんでしたか?

結局、第三音を低くといっても根音・第五音を高くといっても相対的には同じなのですが、汎用的に使用できる考え方としては、もとの調・和音から何とかして次の和音の根音を手に入れ、その根音を基準に第五音(1.5倍の周波数)、短三度(1.2倍の周波数)の音を得るというものです。これなら先程の例に汎用できます。

もともと純正律というのは調性音楽と相性が悪いものなのです。移調や移旋をおこなったらその主音をもとに音階を得るものなので、その音が前の調の音とどれだけ異なるかということはあまり考慮しません。必要になった際は実際に計算して考えるのが良いでしょう。

A.1~2への補足拝見しました。
平行調の場合はそれでも実用上の問題は出ないと思います。
ただ、音程のとり方はド・ラ間が短三度のため広めに(ラを低めに)とり、そのラを基準にドとミの音程をとるため、結果として根音と第五音が"平行調の主音に対して"低目となるのです。ただ、これをいうならメジャーコードについても、「ラを基準に考えると根音と第五音を高めにとるべき」ということができますね。考え方が長調に偏っていませんか?ABC、イロハの音階はどこから始まっていますか?

また、マイナーコードが...続きを読む


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