ブルタバを作曲した時のスメタナの身体的な状況はどんなだったか分かる方お願いします!

A 回答 (3件)

たまたま、「ノリントン指揮/ロンドン·クラシカルプレイヤーズ EMI Classics」のCDを持っていたので、そこから引用すると、



“第2曲の「モルダウ」の総譜の終わりには、痛々しくも「まったく耳が、不自由になって」と付記されています。”

ライナーノーツには、第1曲の「ヴィシェフラト」の総譜にも、「耳の病を患いながら」や、初演の際にも「何も聴こえなかった」とあります。

プラハの国立図書館のサイトを調べれば、自筆譜か草稿が見られる場合もあるので、検索してみてはいかがでしょう?
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No.1です。



現在絶版のようですが、こんな本があるようです。興味があれば読んでみてはいかがでしょうか。(私は読んでいません)
https://www.amazon.co.jp/%E3%82%B9%E3%83%A1%E3%8 …
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「ヴルタヴァ」は、日本ではふつう「モルダウ」ですね。

連作交響詩「わが祖国」の第2曲。

「わが祖国」を書き始めたのは、晩年の1875年頃(スメタナ51歳ごろ)のようで、第1曲「ヴィシェフラド(高い城)」と第2曲「ヴルタヴァ」は1875年中に作曲したようです。残りの4曲を含めて「わが祖国」全曲を完成したのは1882年(スメタナ58歳ごろ)のようです。

本人ではないので、健康状態や気分など知る由もありませんが、それ以前の1874年には完全に聴力を失っていますし、奥さんとは完全に破局状態だし、音楽に関しては批評家たちから酷評されていて、精神的にもかなり参っていたようです。

スメタナの伝記などがあるとよいのですが、マイナーな作曲家なので、あまりそういった文献もないようです。
下記のWikipediaが正確かどうかわかりませんが、参考になるのではないかと思います。
チェコ語が分かれば、チェコ語の文献ならいろいろあるのではないでしょうか。
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%99%E3%83%89 …
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Q最も日本的な作曲家、最も日本から遠い作曲家は?

私個人的には、モーツアルトは日本に1番遠くて、ドビュッシーが1番近いと思うのですが。最も西欧的、もっとも異国(特にオリエンタル)という極端です。この点に関して、ご意見を伺いたく思います。

この問題定義にはいろいろ思うところがあります。
そもそも「日本的」っていうのはなんだろうか?通俗的には、山水や侘び寂び幽玄、あるいは江戸伝統民芸工芸演芸の世界、そのものから受けるイメージの世界と言うことを、多くの人は持つのではないでしょうか。すくなくとも、一般の日本人ならば、どこかにそういう思考回路が流れていますし、そういうものを想像できますよね。
クラシックを聴く場合もそういう土台をどっかに持って聴いてています。そのとき、日本的なものから遠いものを聞くのと、近いものを聞くのに、なにか情動が変化しないだろうか?と感じます。

私は、どうも独逸墺太利を中心とする、クラシック音楽の中核的流派(そして最も売り上げも多い分野だと思いますが)、クラシックと言えばまずイメージする主流(バッハモツベトブラブルマラ等)が、日本とは非常に遠いところの存在に思え、なにか疎外感、親しみにくさを感じてしまうのです。もっとも、違う文化のものを聴くんだから、そんなもの取り払って聴けばいいという切り替えができればいいわけですが、どうもお茶漬けから離れられないんでしょうかね。なにか、どこかに日本(あるいはオリエンタル)な響きを西欧の音楽に発見すると、非常に惹かれるものがあります。

もちろん、モツがアジア的でない?というのはもちろん時代背景、彼が背負っている生存条件が深いです。それはもちろん個人の責任ではありません。ドビュッシーが同時代の同地域に生まれたら、やっぱり当然歴史上のドビュッシーではなかったでしょうから。

そういう意味で、一般的に、あるいは個別的に、日本(オリエンタル)をその中に感じるクラシック音楽、その要素をほとんど想起できない音楽という問題に関して、最も遠い作曲家、近い作曲家ということを質問しつつ問題定義させてもらいたいと考えました。

どうでしょうか?

私個人的には、モーツアルトは日本に1番遠くて、ドビュッシーが1番近いと思うのですが。最も西欧的、もっとも異国(特にオリエンタル)という極端です。この点に関して、ご意見を伺いたく思います。

この問題定義にはいろいろ思うところがあります。
そもそも「日本的」っていうのはなんだろうか?通俗的には、山水や侘び寂び幽玄、あるいは江戸伝統民芸工芸演芸の世界、そのものから受けるイメージの世界と言うことを、多くの人は持つのではないでしょうか。すくなくとも、一般の日本人ならば、どこかにそう...続きを読む

Aベストアンサー

モーツァルト・・・・・
ロマン派・伊オペラ等と並び、西洋音楽のある一時代ならではの極めて一面的な音楽性。(解り易く言うといかにも『西洋クラシック』風。)
ドビュッシー・・・・・
東洋的な音階や文化美意識も積極的に取り入れ、それまでの西洋音楽の作曲家達とは一線を画したインターナショナルな流れを多分に持つ。実際のところ西洋にとどまらず世界中の近代音楽に強い影響を及ぼし、今世界中で作られている音楽も日常的にこの流れを有す。近代音楽(あるいは後のグローバリズム)の祖とも言える。
・・という視点からこの2つを見れば、確かに「ドビュッシーの方が日本に近い」とも言えると思います。


ただ、視点を変えると、全く別の受け取り方にもなると思います。(ちなみに自分はこちらの解釈の方が強いです。)
モーツァルトはいわば「(日本含めた)アジア歌謡曲的」。丸わかりな書法で魂胆見え見えとも言えるセンスは、まさしく演歌・歌謡曲や時代劇のBGMなんかを連想させます。アジアにおいては多くを占めるいわば『西洋音楽に疎い人』達にも、『疎外感・親しみにくさ』どころか実際のところすんなり受け入れられるのも事実です。(ドビュッシーや現代音楽以降の西洋音楽が全く駄目でも、です。)
カラオケミュージックで育った日本人には、『口ずさめるくらいの極めて単純なメロディーと拍子』これらが必須なのです。その条件を最も満たす西洋音楽が『モーツァルト』であり、ロックならクイーン、あるいはオフスプリングやグリーンデイの様なパンクポップなのでしょう。
それに比べ、ドビュッシーの音楽的美意識(特に中期以降の成熟期)は、日本の近代音楽のそれとは程遠いですね。もしドビュッシーの中に優れた「東洋的美意識」があるのだとしても、それは歌謡曲やj-popに慣れた今の日本大衆の耳には少々敷居が高く、それを見抜き評価出来る日本人はそう多くはないのも事実だと思います。

雅楽、茶の湯、日本式庭園、書画・工芸品等の伝統美術、伝統舞台・・・・これらに慣れ親しんだり感銘したり出来る日本人が今の日本にどれだけいるのでしょう。
つまり、今となっては多くの日本人が音楽に求めるのは『高度なオリエンタリズム』等ではなく、久石譲・服部なんたら・東儀秀樹・秋川雅史・・・の様な『歌謡曲色』なのだと思います。

モーツァルト・・・・・
ロマン派・伊オペラ等と並び、西洋音楽のある一時代ならではの極めて一面的な音楽性。(解り易く言うといかにも『西洋クラシック』風。)
ドビュッシー・・・・・
東洋的な音階や文化美意識も積極的に取り入れ、それまでの西洋音楽の作曲家達とは一線を画したインターナショナルな流れを多分に持つ。実際のところ西洋にとどまらず世界中の近代音楽に強い影響を及ぼし、今世界中で作られている音楽も日常的にこの流れを有す。近代音楽(あるいは後のグローバリズム)の祖とも言える。
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Q(1) 作曲に関する専門的なアドバイス・意見お願いします。

表題の通りなのですが、小品を作ってみましたのでアドバイス・ご意見・批評等いただけないでしょうか。
特に、(1)和声法などの作曲理論に基づいたご意見、(2) 演奏に関する意見(音源の速度での演奏が可能であるか等々)、をお願いします。

音源:https://youtu.be/jJejOP1TjyY
楽譜:https://dl.dropboxusercontent.com/u/20893191/molto%20allegro.png

Aベストアンサー

このサイト上で同じ顔合わせの二人があまり長くやりとりし続けると、問題視されることもあるので、そろそろまとめたいと思います。

8小節目はごく単純なIです。和声を見るとき、あまり細かく切り刻んで見ないで、全体で見るようにしてください。1拍目の上3声、A、Dis、Fisはすべて倚音。偶成和音として表示するなら、バスのCisを除外して(保続として)、[II]という表記になるのでしょう。その内のDisだけは、3拍目でCisに解決。左手3拍目のAは、2拍目のGisから次の小節のHへ移行する経過音です。小節全体で見れば、ただのIです。
9~12小節は、回答No.2でお送りした、この部分の書き直し案を骨組みだけで示した楽譜では、単純な三和音になっています。それを、曲のスタイルに合わせて7の和音に変え、各声部を動かして修飾しただけで、土台は同じです。ただ、バスに動きを付けるために、9、11小節目の3拍目だけ別の和音が挿入される形になっています。10小節目は全部V7で、3拍目左手のEは非和声音、流れから言えば刺繍音のようなものですが、拍上にあるので倚音ととっても結構です。ただ、こういう定義はあまり意味がありません。肝心なのは、先ほども申しあげたように、細かく切り刻んで見すぎないこと、小節全体はV7という一つの和音だけが元になっており、それをどう修飾、変奏するかということです。
26小節目のEは気にならないはずですが、気になりますか。電子ピアノのせいかもしれませんし、MuseScoreのプレイバックのせいかもしれません(私はMuseScoreを使っていないので確認していません)。Finaleのプレイバックや生のピアノでは全く問題ありません。近代の音楽なら、このくらいのぶつかりはごく普通です。ここでEを使ったのは、一つには、Ges-durの感じを少しでも消したいということがあります。荷風さんの意図は、教会旋法的なVI-VII-Iの進行を使うことだったと思いますが、単純な三和音ではなく、7度音や9度音を付け加えていらっしゃるので、どうしてもGes-durに聞こえ、Es-mollのVI-VII-Iには聞こえないのです。それを少しでも救うためと、もう一つ、各声部が音階固有音ばかりをたどって動いていると単調になるので、半音程の刺繍音を加えることで表情の変化を付けるということがあります。荷風さんが下に書き加えたやり方だと、上の二つの点でまた元に戻ってしまいます。私ならEのままにします。

今日は、もう一度新しい譜例を送ります。前回、5小節目と転調の直前の小節は、原曲のHを何らかの形で残す方法として、こういうやり方もあり得るという意味でだけ示したものです。私が自分の作品としてまとめるとしたら、このヴァージョンは使わない可能性が高く、今回のヴァージョンでは、Hを使わない、比較的古典的な処理にしてあります。
また前回は、その前にお送りしてあった大ざっぱなプランをどのように発展、修飾できるかの可能性を示すため、かなり細かい処理を盛り込みましたが、リズムや旋律線、バスの動きや音域などを含めた全体で見直すと、少し凝り過ぎでうるさく感じ、風通しが悪いので、修飾を再びそぎ落としてシンプルに変えてあります。このくらいがちょうどよいと思います。
それから、転調したあとの部分については、3種類の作例を作ってあります。教会旋法的なVI-VII-Iの進行がうまくいかないのにはいくつかの理由がありますが、一つは、その前のEs-mollのフレーズが短すぎることです。ヴァージョンAでは、1小節増やしました。そして、その進行のあともGes-durへ行かずEs-mollのままという行き方にしてあります。
ヴァージョンBは、原曲とあまり変わらない形ですが、どうせGes-durに聞こえてしまうのなら、転調先を最初からGes-durにしてしまえ、という発想で、Es-mollの教会旋法的なVI-VII-Iの進行として考えられていた小節も、そのように機能させることを完全に止めて、Ges-durのIV9-V9-I+6に変えてしまいました。主調がCis-mollという短調なので、もし長い曲として構想していないのであれば、転調するなら最初から長調にしてしまった方がコントラストははっきりするので、それはそれで悪くないと思います。
ヴァージョンCは、再び教会旋法的なVI-VII-Iの進行を保持する形ですが、Es-mollからGes-durに転じます。原曲で、VI-VII-Iの進行がうまく機能しないのは、先ほど挙げた7音、9音などの添加音が原因になっているだけでなく、旋律の音と動きも原因です。ヴァージョンAではそれを避けるため、その部分の旋律全体をバスに反行させて大きな流れにしてありますが、ヴァージョンCでは逆に、三和音が並行していることを明確にするような反復の形にしてあります。
http://www.fastpic.jp/viewer.php?file=8456215436.jpg
http://www.fastpic.jp/viewer.php?file=5335387568.jpg

いずれにしても、リアリゼーションの可能性は無数にあり、どれを取るかは、曲全体の構想、表現内容、構造などの全体的視野から見て決めなければなりません。ここまで出したものは、どれもサンプルの一つということで、今日お送りする3つのヴァージョンも、どれが一番いいと私が判断することは現段階では不可能です。
実作を書ける能力に近いものはお持ちだと思います。ただ、あまりにも和声にだけ注意がいき過ぎで、作品を作り上げるために必要なほかの要素において、基本的なところが少し抜け落ちています。一度足を止めて、和声の3巻までみっちりやることと、もう一つ、フレーズの組み立てなど、時間軸の構造を論理的に捉える力が大きく欠けているようなので、「楽式論」も押さえておいてください。名曲を研究するときも、和声の分析だけでなく、何小節ごとに音楽の区切りがあるか、また、その区切り方と和声の使い方や旋律の構造にどういう関係があるかなどもよく観察してください。

このサイト上で同じ顔合わせの二人があまり長くやりとりし続けると、問題視されることもあるので、そろそろまとめたいと思います。

8小節目はごく単純なIです。和声を見るとき、あまり細かく切り刻んで見ないで、全体で見るようにしてください。1拍目の上3声、A、Dis、Fisはすべて倚音。偶成和音として表示するなら、バスのCisを除外して(保続として)、[II]という表記になるのでしょう。その内のDisだけは、3拍目でCisに解決。左手3拍目のAは、2拍目のGisから次の小節のHへ移行する経過音です。小節全体で見...続きを読む

Q17・8世紀に16の調が作曲の限界だったのは異名同音と通常は存在しない調が問題か?

以前「17・8世紀一般的であった16の調」について質問させていただいた者です。皆様のおかげで様々な事がわかり、ついに結論がでました。

さてそのことに関係した質問ですが、鍵盤曲に限定しますが、平均律では異名同音となるシャープやフラットが5個以上の調は特殊な例を除いてなぜか作曲されなかったようです。これは単に響きが汚いからという理由ではなさそうです。なぜならヘ短調で作曲されても変ロ短調はなく、ホ長調はあってもロ長調はないからです。両方とも濁った和音は含みます。ただ、私が気づいたことは作曲されない方の調は異名同音調がある、ということです。17・8世紀は平均律の時代ではないのに不思議です。なぜでしょうか?
また、変イ長調と嬰ハ短調がない訳も自分なりに考えました。
この二つの調で作曲した場合、同主調に転調した時にカデンツに嬰ト長調や変ニ短調という存在しない調が出てくるのを昔の人は嫌ったからなのかでしょうか?

Aベストアンサー

調律法というよりはこの時代までの特有の記譜法が原因のようです。
参考urlの「成立過程と改訂の歴史」の半ばあたりをご覧になってください。
18世紀までは調号3個の調「Es-dur、f-moll、E-dur、fis-moll」は三位一体を表すとして神聖視や完全視をされたようです。ですから私は調号4つ以上の調は蛇足と考える嫌いがあったのではないかと推測します。

調号3つの調は厳粛さや神々しさ、受難といった意味深い曲が多いことからも理解出来ると思われます。

参考URL:http://www.qub.ac.uk/~tomita/essay/wtc1j.html

Q作曲的観点から見て完璧と言える曲

作曲的観点から見て完璧と言える曲をおしえて下さい。

それと、こういう質問をするとバッハか、モーツァルトのジュピター終楽章などがよく挙がるのは存じております。そこでまた質問なのですがロマン派から近代、さらには現代にかけて完璧と言える作品は無いのでしょうか?

Aベストアンサー

 No.1です。

 No.1に書いたヴェーベルン以外にも、「さすが」というか「信じられない」といった職人技があるようです。

 ↓ こちらのサイトにいくつか紹介されているので参照ください。

http://www.hi-ho.ne.jp/tadasu/bach_fuga.htm

 バッハは当たり前として、下記のようなものが楽譜入りで載っています。

(1)モーツァルト作曲「上から見る人と、下から見る人で、2重奏ができる1枚の楽譜」

(2)ハイドン作曲/交響曲第47番 第3楽章(メヌエット)
   メヌエットもトリオも、前後が鏡対称。

 完璧というのとは違いますが、「脱帽」ですね。

Q一般的に弾くのが難しいと言われるピアノ曲の作曲家

一般的にピアノの曲で弾く、テクニックが難しい曲を多く作った作曲家を教えてください。
一曲一曲難易度が違うのは前提の上で、
全体的にこの作曲家は難しい曲が多い、という感じで知りたいので教えてください。

できればみなさんの主観的な順位や理由、
(難しいぞ!というような)具体的なおススメの曲などを書いてただけると嬉しいです。

○位、リスト
○位、ラヴェル
~~

という感じでお願いします。
一般的に弾くのが難しいと言われる人はどんな作曲家なのだろう、
そしえそれぞれ特色などあるのだろうなと思って質問しました。
よろしくおねがいします。

Aベストアンサー

難しいピアノ曲は近代から現代にかけての作曲家でしょうね。
やはりリストが1位かな・・曲数も多いですし。
以下、ショスタコ、プロコフィエフ、ストラヴィンスキー・・・と続く感じでしょうか。

でも意外にも スメタナのピアノ曲が超絶技巧でびっくりしました。
確かブリリアントからリリースされてるのでご興味がおありなら一聴をおすすめします。
まるでリストの曲みたいで、「わが祖国」のイメージでスタートボタンを押すと
面食らいますよ。


ストラヴィンスキーは「春の祭典」、「ペトルーシュカ」のピアノ版が出ていますので
こちらのCDもどうぞ。


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