演奏の専門家の方が、モーツァルトの演奏は独特で、
決まりのようなものがあり、難しいといってました。

素人の私は、音符の粒を揃える・・・ぐらいしか、
思いつきません。

モーツァルトの曲の演奏上の注意について、教えてください。

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A 回答 (3件)

プロの演奏家のレコーディングを聴き比べてみると,


同じ曲でも,突き刺さるような刺激的なものもあれば,
ふんわりとソフトなものもあります。
その人のモーツァルト観の違いを感じます。

プロの演奏を聴いて,「素晴らしい」と絶賛する人もいれば,
反対に酷評する人もいます。演奏する人のモーツァルト観と
聴く人のモーツァルト観がそれぞれにあります。

とは言え,
モーツァルトとは,こんなものだという一般的なイメージがあります。
それが「決まりのようなもの」かどうかはわかりませんが,
私なりのモーツァルト観で思ったことを3つ書きます。

(1)
ヴァイオリンに関しては,アレグロでの弓使いはベタ弾きできない…,
しかし,音が短くなりすぎてもいけない…,
では,どの程度?と言われると大変難しく,
モーツァルトらしくとしか言い方がないような微妙な音の長さがあります。
音の長さと言うよりは,音の短さと言う方が私がイメージしているものです。
弓使いにはとても神経を使い,とても緊張します。
イメージ通りの音が出やすい弓毛の張りの強さも気になります。

(2)
表現面で思いつく特徴的なことでは,
フレーズの最後の音(一音)で力を抜くことです。
曲の終わりの最後の一音も勿論そうです。
これはモーツァルトに限らず,他の作曲家にも当てはまることですが,
モーツァルトの場合,これを怠るとたいへん下品なモーツァルトになります。
特にモーツァルトでは,
フレーズの最後の音の処理は,とても重要だと思っています。

(3)
それと,楽譜に関しては,基本的には p(ピアノ)か f(フォルテ)です。
それは,極端に「弱く」「強く」ではなく,
p と f を比較して「弱い目」「強い目」程度ではないかと思っています。
pp が出てきても,神経質なピアニシモではないと思います。
sf や fp もたいへん多く出てきますが,刺激的な音を意味しないと思います。


(1)アレグロでの微妙な音の短さ(音符の粒を揃える),
(2)フレーズの最後の音の力の抜き具合,
(3)極端(急激)にはならない強弱変化の加減,
これらは,自分なりのモーツァルト観によって決まると思います。
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この回答へのお礼

モーツァルト観が人によって違うために、人前で弾くのが恐い、
という心境になるようですね。

(1)ベタベタと濃い演奏が好きな人にとっては、難しい曲になりそうですね。音の短さが、粒を揃えるということになるのですね。

(2)ふわっと消えるような感じですね。
それで軽い感じが特徴に出てくるようですね。
十分に意識しないと、1箇所だけ忘れた!ということになりそうです。

(3)昨日モーツァルトのいろいろな曲を弾いてみましたが、
ピアノとフォルテが交互に出てくることが多かったです。
しかしCDでは、それほど強調されていなかったので、
楽譜通りに、大袈裟に演奏する曲ではないと感じました。
刺激的に演奏した場合、「あれってモーツァルト??」といわれるのでしょう。

これらをしっかり守ると、モーツァルトらしく、全体にバランスよく
曲が仕上りそうですが、モーツァルトばかり弾くわけではないので、
そこが難しいところです。

ロマン派が得意なピアニストは、バロック、古典もメロメロに
なってしまうって聞いたことがあります。

バイオリンは楽器が持っている音もあるので、合う合わないが
出てくるので、私のレベルでは、「深く考えて弾かない」レベルから
出ないようにするのが、悩まない方法ですかね。
(消極的な考えですいません)

ありがとうございました。

お礼日時:2009/11/12 08:05

#1さんの書かれていることもそうですが、その前に楽譜の読み方(特に装飾音符)から違います。

大げさに言えば、ロマン派では大きな音符が重要で、小さい音符はあくまで「あっても無くてもいい音」ですが、古典派、あるいはもっと古い音楽では、対等かむしろ小さい音符のほうに重きを置きます。

これを書き出すと膨大になりますので、本などで勉強されることをお薦めします。
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この回答へのお礼

モーツァルトは、装飾符が重要なのですね。

時代が新しくなってくると、リズム、音程も複雑になってくるので、
装飾符も少なくなり、あっても、おおげさに弾くと、
うっとおしい感じになるかもしれません。

古い時代のシンプルな曲は、たっぷり装飾しないと、
面白くないかもしれません。

聞いた感じ、が大切なようですね。

ありがとうございました。

お礼日時:2009/11/12 07:22

どれか特定の楽器はありますか?それとも一般的にということでしょうか。


私はピアノ弾きでしたが、モーツァルトは古典派なのでロマン派のようにならないように注意してました。具体的には
・ペダルの量少なめ
・必要以上にテンポをゆらさない。
・室内楽のイメージ。フレージングは弦楽器みたいな感じ
・重たく聞こえないように響きを整理する(主旋律と伴奏のバランス)
・ハーモニー(モーツァルトは単純なのでとくにI→V→Iを意識する。)
・明るく立ち上がりのよい音色
ロマン派以降のリストやラフマニノフなどのヴィルトゥオーゾ的な曲と違ってただ弾けたからと言って恰好がつかないのが難しいところだと思います。シンプルでごまかしがきかないので。

この回答への補足

バイオリンをやってますが、話しはピアノとバイオリンの方から聞きましたので、一般的なことでも、特定の楽器でも、なんでもいいので、
意見をお聞きしたいと思いました。
モーツァルトする前に、ビビッたので。

補足日時:2009/11/11 13:38
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この回答へのお礼

ロマン派のようにならない・・・というところが、
規則がある、ということだったのですね。
崩してはいけない・・・とうところで、音符の粒を揃える・・・
という表現が出てくるようですね。

モーツァルトのコンチェルト、ソナタ、弦楽四重奏、小曲を弾いてみたら、
音程、リズムが易しく、演奏の技術は高くありませんでした。
確かに、これが弾るというだけでは、プロや上級者は、格好がつかないですね。それ以上のものを出そうとしても、出しようがないので、
基本に忠実になるということが、いい演奏となっているのでしょう。

弾いていると楽しいけど、CD聞いて楽譜を追っていると、眠くなりました。

ありがとうございました。

お礼日時:2009/11/12 07:10

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記憶違いではないかと思います。バッハ自身が難易度順に配列したといわれているのは、2声のインヴェンションで、これは、息子、ヴィルヘルム・フリーデマンのためのクラヴィア小曲集の中での配列が根拠になっています。同曲集には、平均律クラヴィア曲集の断片も収録されてはいますが、第1巻の最初の方のプレリュード数曲のみです。フーガはまだ書かれておらず、配列もハ長調から半音ずつ上がっています。3声のシンフォニアは全曲収録されていますが、配列は、必ずしも難易度順とは思えない個所もあります。
長年音楽を職業にしてきましたが、バッハ自身による平均律クラヴィア曲集の難易度順というのは聞いたことがありません。平均律クラヴィア曲集の原典版楽譜の解説にもそのような話は記載されていませんし、同曲集の詳細な楽曲分析と演奏法解説で知られている市田儀一郎の著書にも出ていません。念のため、ドイツ語のサイトも検索してみましたが、そのような情報はありません。
第1巻第1番のフーガは3声ではなく4声で、技術的にも最初に弾くべき曲ではありません。ただ、平均律はどれもプレリュードとフーガの組み合わせで、技術的な難易度がそろっているわけではないので、プレリュードが易しくフーガが難しい曲もあれば、その逆もあります。プレリュードとフーガを組み合わせて弾く限り、全曲を番号別に難易度の分類をするのは簡単ではありません。大雑把な考え方として、フーガの声部が少ない方が易しく、シャープ、フラットなどの調号が少ない方が易しいということは多少ありますが、3声のフーガが4声のフーガより難しい場合もありますし、調号が少なくても非常に難しいものもあります。
基本的には、学習者の技術上の得手不得手や手の大きさなどを考慮して、教師が選曲すべきですが、参考になるものに、ハンガリーの作曲家で、優れたピアニスト、また教育者でもあったベラ・バルトークが難易度順に編集した版があります。これは、第1巻、第2巻の両方、全48曲を難易度順に並び替えたもので、順番も妥当なものだと思います。第1巻しか持っていない場合は、第2巻の曲を飛ばしていくしかありませんが、最終的に両方の巻を習得したいのであれば、第2巻も混ぜた方が少しずつ難易度を上げていくことができます。ほかに参考にできるのは、原典版を出版しているヘンレ社のホームページに出ている難易度の分類です。こちらの方は、バルトークのように具体的な順序を提案してはいませんが、その代わり、プレリュードとフーガも別々に難易度の分類をしていますので、別の意味で参考になるでしょう。ちなみに、第1巻第1番のハ長調は、バルトークの版では22番目になっており、ヘンレ社の分類では、プレリュードは「やさしい(等級2)」、フーガは「中くらい(等級6)」となっています。

バルトーク校訂版の配列
http://expiano.org/piano/bach/news/2010/08/bartok_wtc.html

ヘンレ社の難易度分類
http://www.henle.de/jp/detail/index.html?Title=The+Well-Tempered+Clavier+Part+I+BWV+846-869_1014

インターネット上の日本語の書き込みは、ほとんどがアマチュアやマニアによるものなので、参考にはなりません。
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Aベストアンサー

高い楽器、安い楽器それぞれに設計の意図が異なります。

格安クラスの楽器については、初心者向けというよりは学校の備品としての需要が大きいです。金管バンドなどで小学生も使用しますので、音色よりは耐久性・扱いやすさ、というものが重視されます。具体的には砂埃等が入っても壊れにくいようにピストンとシャーシの径に余裕をとっていたり、各部の強度を保ちつつ楽器を軽くしたり、吹奏抵抗を低めにとったりしています。もちろん、価格を抑えるため、トリガー等機能が削られている部分もあります。

かえって高価な楽器では、機能的にはもちろん良いものになりますが、音については音楽に対する嗜好をかなり反映したものになります。どういう音が欲しいか、主にどういったジャンルで演奏するのか、等です。同じ値段帯でも様々な目的がありますので、自分が目的とする音と違う楽器を選ぶとかえって苦労するかもしれません。

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高い楽器、安い楽器それぞれに設計の意図が異なります。

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Qフルート・オーボエ・声楽の演奏をモデル化するには?

フルートやオーボエの演奏を「電流・電圧」に例えると、「電流=息の量」「電圧=楽器抵抗(インピーダンス)」と置き換えて、

・フルート 高電流 低電圧
・オーボエ 低電流 高電圧 ですが、

声楽家は、管楽器奏者のような「負荷=管楽器」が無いため、声楽家の体自体が「電池の内部抵抗」にあたるのではないかと考えていますが、これで合っていますか?
もし、他のモデルでこれらのことを説明するのに適したものがあれば教えてください。

Aベストアンサー

「電流=息の量」「電圧=楽器抵抗(インピーダンス)」ではありません。

 「息の量」は、単に「発音」のためのトリガー(振動源)に使われるに過ぎません。「発音」そのものにはエネルギーはそれほどいりませんので、「電流×電圧=電力」という「エネルギー」「仕事」に相当するものとは関係ありません。あるとすれば、「息の量に対する発音効率」というとらえ方でしょうか。

 管楽器の「管」は、「共鳴」を起こすための空間に過ぎません。「弦」で言えば「弦の長さ」です。管の出口での「インピーダンスの変化」が「弦の両端」の役目を果たしています。(ただし、弦は「固定端」ですが、管の開口部は「自由端」です)

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 楽器や音の仕組みをどうしても電気とのアナロジーで考えたいのであれば、「直流」ではダメで、「交流」で考えなければいけません。コイルやコンデンサーを考えた「共振回路」が一番近いでしょうか。

Q音楽の聴き方、音楽やる人は楽器とか演奏に注目して聴いてるんですか?

わたしは音楽は殆どしておらず、拍手も打てないくらい極度の音痴です(なので音楽は敬遠している)。
クラシックを一般人・人並みに聴く程度です。

音楽は音、音楽というより、聴くオンリーで1つの舞台や小説・絵画観賞のように全体の作曲者や演奏する人たちの表現や世界観楽しんでいます。作曲者、演奏者の心や癖や人となりが出ていて、音だけで全部表現されてて面白いな、と思い聴いています。
あと、演奏に、声紋のようなその人の癖をみつけたり、同じ演奏者が別の曲を弾いててもその人だと気付いたりそれだけで、楽器ひとつひとつはそれを表現してる一部・歯車という認識で、曲全体、全体の構成しか漠然に注目してません。

音楽(吹奏楽やピアノ)をやっている友達が周りに多いのですが、一緒に曲を聴いていても、楽器の演奏がカッコいいい、ここのこの楽器のソロすごい、この人の演奏がどうのこうの、ここのパートクソ難しい、ここすごい下手・・・と、楽器を瞬時に聞き分けたり、楽譜がどうのと話したり、演奏や楽器に注目して聴いていますが、音楽やる人はみんなそこまで切り込んで曲を聴いていているんでしょうか?
わたしは技術も知識もありません。楽器もよくわからないです。友達たちの会話を聞いてても無知なのでちんぷんかんぷん。なので、そこまで深くわからないので、すごいです。

でも、友達は曲を聴いていても、わたしのように曲の世界観とか作曲者の気持ちなどわからないと言っていました。よく、そこを、演奏していて部の指導の顧問に怒られるそうです。

「音楽をやっていると色々知識が無駄についていろんなとこに意識がいっちゃう、音楽に集中して聴けないからわからなくなるんだ。(わたし)は素人で知識がないので気が散らずに集中して素直に曲が聴けるんだ。。クラシックはイメージし難いから嫌い。先生は作曲者の気持ちも考えなさい、歴史などを勉強するのも大事だと言うけど、楽譜通りに弾くのは誰にでもできるし心がこもっていない、いくら技術が巧くなっても薄っぺらい音楽になる。」

と、友達は言っていました。

音楽を勉強してる演奏者と、音楽をしていない聴くオンリーの観客側だと、音楽の聞き方、感じ方も変わってくるんでしょうか?

素人が口を挟むことじゃないですが、作曲者の気持ちも大事ではないですか?作った原作者だし・・・。

わたしは音楽は殆どしておらず、拍手も打てないくらい極度の音痴です(なので音楽は敬遠している)。
クラシックを一般人・人並みに聴く程度です。

音楽は音、音楽というより、聴くオンリーで1つの舞台や小説・絵画観賞のように全体の作曲者や演奏する人たちの表現や世界観楽しんでいます。作曲者、演奏者の心や癖や人となりが出ていて、音だけで全部表現されてて面白いな、と思い聴いています。
あと、演奏に、声紋のようなその人の癖をみつけたり、同じ演奏者が別の曲を弾いててもその人だと気付いたりそれ...続きを読む

Aベストアンサー

すみません、質問者様は文中に、重要ないくつもの質問を重ねてしていらっしゃるように思います。ですから、十分こたえられるかはわかりませんが、私の答えられる範囲で。

私はよく、音楽を、「食文化」にたとえます。乱暴で、合致しない部分があることは承知の上ですが、妙に納得のいくところもあるからです。
音楽は、おいしいか、おいしくないか、が究極のところです。
演奏をしている人は、当然音楽を聴いても自分の楽器や、演奏の技術を想起して、そのフィルターを通して聴き直すことがあります。
そこから見えてくる世界観もあります。その楽器や演奏経験を通してこそわかる部分もあり、そういう側面から音楽を味わうこともできます。

これはいわば、料理人が他の人の作った料理を食べる時の味わい方のようなものです。

でも、料理人でなくても、豊かな味覚を育てながらおいしいものを味わってきた人ならば、かなりのところまで、「すばらしい料理」を堪能することはできるでしょう。すてきな料理を、偏食なく食べ、その美味しさがわかっていくうちに、良いものと、大したことないものの違いもわかってきます。隠し味を見つける舌も育つかもしれません。学んでいくうちに、調理者の意図や、そのメニューの歴史なども学ぶかもしれません。それらの学びは、美味しさをさらに深いところへといざなってくれます。

で、一方調理人だって、いつもそんなことばかり考えて食べているわけではありません。修行中はできるだけ味覚を研ぎ澄ませ、全ての「食」を学びに変えていく努力も必要でしょうが、いつもそんなことばかり考えて食べていたのでは、純粋に楽しむこともできません。
まずは食べる。いろいろと神経を研ぎ澄ませず、心のハードルも作らずに食べる。美味しいか、美味しくないか。
すばらしく美味しいと感じたら、必要に応じて感覚を研ぎ澄ませ、美味しさの秘密を探る。
それが、食生活を幸せに、豊かにしてくれるものです。

音楽も、よく似ていると思います。
作曲者の意図を想像することも大切です。世界観を探って深めることも、音楽生活を豊かにしてくれることでしょう。
どれもよいことなのです。演奏技術があっても、味わいを深める聴き方に至っていない段階の人だって、いくらでもいると思います。でも多くの場合、演奏を重ねていくうちに、同時に鑑賞者として、徐々に気づいていくものです。

ただ気になることは

学生さんならば仕方ないかもしれませんが、ある程度の年齢になったら、音楽を、高尚なもの、深く味わうべきものと、構えて生活するばかりなのはいかがなものか、と思います。深みなどなくても名曲は多い。「きらきらぼし」ほどの簡潔明瞭な名曲は、後の時代のいかなる大作曲家をもってしても作れなかったのです。やたらこねくり回してある割にはつまらない交響曲だってあります。
一流シェフが作るフランス料理のフルコースも、適当にお茶をかけただけのお茶漬けも、美味しくいただいてしまうのが一番幸せです。

すみません、質問者様は文中に、重要ないくつもの質問を重ねてしていらっしゃるように思います。ですから、十分こたえられるかはわかりませんが、私の答えられる範囲で。

私はよく、音楽を、「食文化」にたとえます。乱暴で、合致しない部分があることは承知の上ですが、妙に納得のいくところもあるからです。
音楽は、おいしいか、おいしくないか、が究極のところです。
演奏をしている人は、当然音楽を聴いても自分の楽器や、演奏の技術を想起して、そのフィルターを通して聴き直すことがあります。
そこから見...続きを読む

Qクラシックの指揮者・演奏家・聴衆は作曲家に敬意を払っていると思いますか?

クラシックのコンサートを生で鑑賞するたびに思うのですが、曲が終わって指揮者がソロ奏者を立たせて労ったり、指揮者自身が満場の拍手を受けています。
それはもちろん頷けるのですが、何か忘れていませんか?と思うのです。

曲を作ったのは作曲家であり、もちろん誰かが演奏しなければただの楽譜で終わってしまいす。
なぜ、敬意を払っていないかと思う理由ですが、指揮者や演奏家のあまりに身勝手な解釈で、曲がスポイルされているのではないかということです。
「炎の指揮者」とか「ナントカ節」などと言われる「枕詞」がその根拠です。

一般的に言って、「個性」を重要視するあまり、作曲家の意図を楽譜から読み取っていないのでは?という危惧があります。もちろん、作曲すれば作曲家の手を離れてしまって、解釈するのは指揮者や演奏家、はたまた聴衆である、というご意見もあるでしょうが、

皆さんは、コンサートに行って作曲家に想いを馳せることはありますか?

Aベストアンサー

難しいですね。
昔は、確かホグウッド辺りの指揮者が出る前まではバロックなども現代楽器で演奏していましたし。
それで作曲者の意図が再現されているかと言われると、音としてはピリオド楽器で演奏しないといけないわけで…、
さらにそれを現代の大ホールで聴衆が満足できる音が得られるかというと、楽器としてホールへの力不足感がありますし。

曲に対して弟子が色々と改変加えた曲も多いですよね。作曲者の意図を重視するというけれども、どこにあるのかどの版を信用したら良いのか。

政治的に弾圧された作曲家もいますよね、曲に対する本音は体制への迎合なのか、迎合と見せかけて裏には皮肉が込められているんじゃないかなど。

色々と考え出すとどれが作曲者の意図をくんだ演奏だというのはますます判らなくなるように思います。

私は、「ああ、こういう解釈もあるのか、こういう解釈だと作曲者の意図が伝わるかな、弱いかな、この解釈だと楽しいけれど、この解釈だと楽しさの中に別の感情があるかな」等、
そういう思いを馳せるのも楽しみの一つだと考えています。
そして、残された楽譜から現代の音楽家が何を読み取って聴衆にどう伝えるのか、時代によって変化していくものだと思います。

難しいですね。
昔は、確かホグウッド辺りの指揮者が出る前まではバロックなども現代楽器で演奏していましたし。
それで作曲者の意図が再現されているかと言われると、音としてはピリオド楽器で演奏しないといけないわけで…、
さらにそれを現代の大ホールで聴衆が満足できる音が得られるかというと、楽器としてホールへの力不足感がありますし。

曲に対して弟子が色々と改変加えた曲も多いですよね。作曲者の意図を重視するというけれども、どこにあるのかどの版を信用したら良いのか。

政治的に弾圧された作曲...続きを読む


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